Olhar de um Crítico

As Aventuras de Tintim – O Segredo do Licorne 3D (The Adventures of Tintin – The Secret of the Unicorn) – Recomendo!

2012-01-23T15:18:00.000-08:00

As Aventuras de Tintim,criada pelo belga Hergé, foi uma das minhas literaturas de infância, juntamentecom Asterix. O formato da revista diferenciado já mostrava os indícios de umaleitura bem feita. Como fã de uma boa história, a notícia desta transposiçãopara a mídia cinematográfica trouxe uma excitação perante as possibilidades queas aventuras de Tintim poderiam trazer ao público. Com dois fãs à frente doprojeto, Steven Spielberg e Peter Jackson, tudo indicava que daria certo. Edeu!

AsAventuras de Tintim – O Segredo de Licorne (2011)acompanha o jovem repórter investigativo Tintim (no original Jamie Bell) embusca da verdade sobre um misterioso modelo de navio que guarda os segredos dafamília Licorne. Para desvendar o mistério, ele terá que se juntar ao bêbado CapitãoHaddock (no original Andy Serkis) e fugir do homem que quer se vingar dafamília Licorne.

Mesmo sendo umpersonagem “novo” para o público, os roteiristas Steven Moffat, Edgar Wright eJoe Cornish foram inteligentes em não tentar criar uma história de origem. Coma animação dos créditos iniciais, já demonstra a curiosidade e a familiaridadeque Tintim tem para desvendar casos e entrar em confusões. Na primeira cenadentro da sua casa, matérias jornalísticas também entregam pistas do ladodetetive de Tintim. A trama desenvolve-se de forma suave, sem atropelos ou noempurrão de personagens. Nós gostamos do protagonista depois de alguns momentospercebendo a integridade e inteligência do personagem. Já o Capitão Haddockcativa o público pelo oposto, ser alguém leal, mas com diversas falhas quetorcemos para que as vença.

Steven Spielbergutiliza-se da mesma técnica de efeitos especiais usados nos filmes: OsFantasmas de Scrooge (2009), A Lenda de Beowulf (2007) e Expresso Polar (2004). O filmeesteticamente está perfeito, a textura da pele bem como cenários é de seimpressionar, a movimentação também está natural (vale salientar que temposatrás isso era difícil de conseguir sem parecer robótico). O 3D do filme ésensacional, não há muitas cenas com “jogo de objetos no rosto do público”, masa profundidade é algo estonteante, principalmente nos momentos de ação.

Com uma históriaexcelente Tintim também entrega cenas de ação bem coreografadas e emocionantes.Na perseguição aos pergaminhos é de fazer você quase se levantar da cadeira.

AsAventuras de Tintim – O Segredo de Licorne é uma grandeaventura ao estilo já consagrado de Steven Spielberg, talvez com umafinalização não tão grandiosa como alguns irão esperar, mas a vontade de vermais aventuras de Tintim é garantida!

Nota:10

Rafael Sanzio

Imortais 3D (Immortals 3D)

2012-01-07T10:50:00.000-08:00

O que esperar de umfilme que se vangloria de ter “os mesmos produtores de 300”? Imortais (2011) tenta passar o mesmoestilo épico do filme 300 (2007), masacaba apenas sendo um filme com menos testosterona.

Na trama (que Hollywoodcontinua a destruir a mitologia grega), Teseu (Henry Cavill) vive com sua mãeem uma vila e busca uma vida sossegada. Contudo, o rei Hiperion (Mickey Rourke)lidera sua marcha destrutiva para encontra o arco de Épiro, artefato que podelibertar os titãs de sua prisão. Os deuses não podem intervir, mas auxiliam Teseupara que ele possa salvar o mundo.

Ultimamente a indústriaignora as boas histórias advindas da mitologia grega, preferindo modernizar atrama e transformar em um tipo de vídeo game. No caso de Imortais, percebe-se a tentativa de deixar os planos de uma formaque remetam ao filme 300. Elesconseguem, de certa forma. Os primeiros minutos do filme são forçados demaisnessas características, todos tentando ficar em posições artísticas eintimidadoras. Como por exemplo, a hora do aviso da invasão de Hiperion à vilade Teseu. A partir do momento que o diretor Tarsem Singh deixa mais sutil essastentativas, elas funcionam de forma agradável.

Mas o que falar datrama? Há os elementos básicos de uma trama de aventura. Sem nenhuma novidade.O que se destaca positivamente na produção são as lutas. Muito bemcoreografadas, realistas (na medida do possível) e estilizadas. É de se admirara maneira como os golpes fluem de maneira precisa. Fica de fora desse elogio abatalha contra o “minotauro” e as infelizes sequencias parecidas com asbatalhas do rei Leônidas. O que tem de estilo nas lutas faltou no figurino,simplesmente ridículo as roupas dos deuses, principalmente os elmos. Ondeestavam com a cabeça os figurinistas EikoIshioka e Simonetta Mariano para colocarem aqueles acessórios tãocarnavalescos?!

"Olha a Unidos da Grécia aí geeeeente!"

Henry Cavill tem umapresença forte para um protagonista, podemos aumentar as esperanças quanto asua interpretação de Superman. Já Mickey Rourke mantém sua mesma interpretação“I don’t care”. A atriz Freida Pinto interpreta suave demais o oráculo Phaedra,tornando-se assim apagada em suas performances. O eterno Ivan Frost (Blade),Stephen Dorff traz o alívio cômico de forma gratificante.

Os efeitos especiaisestão bons, o equilíbrio entre sangue e vísceras aparecendo está ótimo,conseguindo assim transmitir realidade sem exagero. O 3D só funciona bem mesmono final, ou seja, nada de querer assistir esse filme em 3D.

Imortaiscarece de uma história convincente e de atuações de peso. É de se espantar comoos deuses foram representados por jovens atores sem nada de interessante paraacrescentar, Fúria de Titãs pode ter sido raso, mas ao menos tinha figurasimponentes como deuses. Mas pode ter sido a visão do diretor para o que eleacha do ser imortal (jovem e belo). Boas lutas, mas estória fraca e previsível.

Nota:5

Rafael Sanzio

O Gato de Botas (Puss in Boots)

2011-12-13T10:31:00.000-08:00

Nãoseria justo com a animação da Dreamworks dizer que O Gato de Botas (2011) é um novo fôlego para o mundo de Shrek. Apesar de utilizar o mesmo estilográfico, o filme solo do Gato de Botas possui uma identidade própria, seja elaboa ou má.

Natrama, o Gato de Botas (Antonio Bandeiras) é um foragido da lei que tentalimpar seu nome, a oportunidade surge quando os feijãozinhos mágicos sãoencontrados. Cabe agora ao Gato fazer uma aliança com um velho conhecido paraconseguir o prêmio máximo: os ovos de ouro do gigante do pé-de-feijão.

Ahistória conta a origem do Gato de Botas. Como seu trejeito é de um amantelatino, o roteiristas Brian Lynch, David H. Steinberg, Tom Wheeler e Jon Zack optaram por criar um mundo àparte da fantasia em exagero de Shrek para dar algo mais real e com ascaracterísticas espanholas. O uso da música latina confere ao Gato de Botas umritmo agitado nas cenas de ação e como serenata nos momentos de reflexão.

Asensação é de ver um personagem novo, aprofundando-se mais na sua personalidadepara nos cativar com seu processo evolutivo na trama. O problema está nos seuscompanheiros, não há coadjuvantes fortes para nos encantar. Jack (Billy BobThornton) e Jill (Amy Sedaris) são dois brutamontes que possuem uma tramaparalela forçada de querer ter filhos. Já Kitty Pata Mansa (Salma Hayek),companheira do Gato, possui uma parca história de vida e que só temos ointeresse por sua personagem pelo jogo de sedução entre ela e o Gato. Já HumptyDumpty (Zach Galifianakis) consegue se igualar ao Gato, pelo seu jeitodiferente e espalhafatoso.

Aanimação está bem feita. Principalmente os gatos. Se percebermos os detalhes,poderemos ver os dentes quase reais dos animais, além da equipe ter captado comperfeição as reações dos felinos. As cenas de ação estão bem coreografadas,tanto com as de perseguição quanto as lutas de esgrima do Gato de Botas.

Commenos humor non-sense (mas quando tem é hilário), O Gato de Botas caracteriza-se como uma animação de aventura,contando a origem do coadjuvante carismático de Shrek, mas precisando aindarefinar-se e perder alguns momentos de queda de ritmo que transformam algumascenas monótonas.

Nota: 8

Rafael Sanzio

A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 1 (Breaking Dawn – Part 1)

2011-11-28T15:55:00.001-08:00

Se você já chegou até aqui,quer dizer que você é fã ou gosta dos filmes ou é um pentelho que gosta deassistir para depois zoar com os fãs da série Crepúsculo. A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 1 (2011) é a primeira parte dofinal da saga Crepúsculo nos cinemas. O desenvolver do filme foi feito pensandonas pessoas que gostam do mundo criado pela autora Stephenie Meyer, se vocêgosta dos monstros clássicos, é impossível você ter uma visão crítica imparcialdo filme. Você irá achar defeito em tudo, vai ridicularizar tudo e seu sensocrítico vai para o brejo. A mesma irracionalidade proveniente dos fãs quanto àanálise do filme é igual à irracionalidade daqueles que odeiam o filme.Portanto, se você odeia o filme vá procurar outro entretenimento.

A história mostra o tãoaguardado casamento de Bella Swan (Kristen Stewart) com Edward Cullen (RobertPattinson) e todas as implicações que se devem ao fato. Na lua de mel, Bella eEdward ficam juntos antes de transformá-la em vampira, mas algo inacreditávelacontece, Bella fica grávida. Agora se segue uma tortura para o casal, enquantoo bebê mata pouco a pouco sua mãe e a criação de tal criatura viola o pactoentre os Cullens e os lobos de Forks.

A adaptação do quartolivro da série foi bem sucedida. A sequencia longa dos preparativos docasamento e o próprio casamento deve-se ao fato de que o público que acompanhaos filmes estava esperando por esse momento, então, nada mais justo do quemostrar as reações, sentimentos, de todos os personagens coadjuvantes em relaçãoao evento. Apesar de possuir lobos gigantes e vampiros, não podemos nos prenderou esperar ação. Afinal, é um filme de romance com tons sobrenaturais. Porisso, a construção do enredo envolve os sentimentos de amor de Bella e o realmedo em perder contato com a família e o amor de Edward e o medo de selar odestino trágico da alma de sua amada.

É sempre esquisito vernosso país retratado por um filme estrangeiro e com A Saga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 1 não foi diferente. Ficadifícil dizer se era necessário mostrar uma cena com samba e gente dançando,mas podemos dizer que essa cena teve necessidade para contrapor com o futuro deBella: energia, calor e alegria mostrados na dança e ao se tornar uma vampiravai ser fria e não sentir esse calor no corpo.

Os efeitos especiaisestão, mais uma vez, eficientes. Meu medo inicial com Crepúsculo foi imaginarque os lobos gigantes seriam apenas lobos de verdade, mas fico alegre em saberque os produtores ganharam dinheiro suficiente para investir nos efeitos especiais.A luta dos lobos contra os vampiros é um pouco desorganizada, de difícilleitura do que está acontecendo. Mas a melhor cena envolvendo efeitos especiaise direção vai para a reunião dos lobos. A forma como é mostrada a ligação deJacob com os integrantes da matilha, várias vozes em um mesmo lugar, além datransformação dessas vozes para algo animalesco. A disputa entre Jacob e Samempolga qualquer um, apesar dos fãs de ação com certeza irão se decepcionar como resultado final do embate.

A interpretação porparte dos atores de Crepúsculo mantém o ritmo da Saga. Com a diferença deKristen Stewart, que deixa a adolescente Bella para moldar uma versão maismadura da personagem. Destaque também para Billy Burke (Charlie Swan), seujeito de pai preocupado, mas sem querer demonstrar sentimentos diverte qualquerum. Única atuação que dá agonia em testemunhar é a da “atriz” Julia Jones (LeahClearwater), difícil assistir a falta de expressão e emoção.

ASaga Crepúsculo: Amanhecer – Parte 1 demonstra todo opotencial de romance da série em sua conclusão, mostra o imprinting de Jacob de forma poética e o amor chegando à morteentre Edward e Bella. A segunda parte de Amanhecer promete mais ação e tensãopara o confronto entre Volturis e Cullens. Enquanto isso fica a dica: quer umamaquiagem perfeita e permanente? Vire uma vampira.

Nota:7,5

RafaelSanzio

Maratona Saga Crepúsculo

2011-11-10T04:55:00.001-08:00

No dia 17 de novembro a partir das 16h ocorrerá a Maratona Saga Crepúsculo no Box Cinemas. Os fãs da obra de Stephenie Meyer passarão o dia assistindo aos quatros filmes da série, sendo o último filme, a pré-estréia: Amanhecer – Parte 1.

Durante os intervalos haverá distribuições de brindes pela turma do Fique Ligado e empresas que apóiam o evento. Muitos fãs clubes já garantiram seus ingressos, mas a Cultura Inglesa Tambauzinho reservou 4 ingressos para premiar os vencedores da Promoção “Breaking Dawn”.

Para participar, basta curtir a Fanpage da Cultura Inglesa Tambauzinho e seguir o twitter @citambauzinho. Serão quatro perguntas postadas na Fanpage durante o período de 08/11 à 16/11 sobre a Saga Crepúsculo, quem responder primeiro em inglês e corretamente, ganhará 1 ingresso para a Maratona Crepúsculo. Curtam e confiram o regulamento.

A Saga Crepúsculo começou nos cinemas em 2008, baseado no livro de mesmo nome, tornando-se um sucesso de público e fãs. A história mostra uma garota da cidade grande, Bella, chegando à cidadezinha de Forks. Lá, apaixona-se por Edward Cullen, um vampiro que se encanta por Bella, mas possui uma sede incontrolável pelo sangue da garota.

O filme Amanhecer – Parte 1 é a primeira parte que encerrará a história de Bella e Edward. A estréia oficial será no dia 18 de novembro.

Modo de Avaliar um Filme

2011-10-13T06:16:00.000-07:00

Um amigo meu questiona frequentemente as notas que aplico aos filmes criticados. As vezes dizendo que sou bom demais em dar uma nota, sob a perspectiva dele, alta demais. Observando isso, cogitei a possibilidade de alguns leitores terem essa mesma dúvida. Não para me justificar, mas para esclarecer como faço minha avaliação de filmes, elaborei esse post para explicar melhor como tudo funciona aqui no Olhar de um Crítico.

Divido o filme em cinco categorias, cada uma podendo ser de 0 à 10. Ao final, soma-se tudo e divide por 5. Vamos as categorias:

Roteiro: Um bom filme tem que ter um bom roteiro. Uma história que envolve o público e que tenha bons argumentos para explicar os acontecimentos na trama. Se não for parte da proposta, correr de clichês do gênero e apresentar um final coerente com o desenvolvimento do filme.

Interpretação: Um filme pode até ter uma boa história, mas se tiver atores ruins ou que não acreditam no projeto serão um ruído eterno que vai nos incomodar até o final da história.

Efeitos Especiais: Aqui analisa a qualidade dos efeitos especiais de um filme. Mesmo que não possua efeitos especiais é analisada nessa categoria: cenário, figurino, direção de arte e fotografia.

Direção: Aqui se observa as escolhas feitas pelo diretor, tudo passa pela mão dele, portanto, é culpa dele o filme estar como está. Se os produtores mexeram no trabalho, sinto muito, mas o diretor continua assinando o projeto e é julgado por tal. Aqui também analisa a edição, que se não for bem feita acaba com filmes de ação.

Diversão: A última categoria e talvez a que ajude filmes “ruins”. Porque ela existe? No final das contas estamos analisando filmes de entretenimento e existem alguns que não possuem a pretensão de ser um ganhador do Oscar. Além do mais, filmes de ação em sua maioria não possuem um excelente roteiro, mas possuem vários fãs. Porque eu iria dar um 0 se eles têm suas qualidades em relação a diversão? Por isso existe essa categoria e se um filme não é de ação, mas é bom, com certeza irá divertir da mesma forma.

Agora só não venham perguntar que nota apliquei para cada categoria de um filme!

Conan, o Bárbaro (Conan)

2011-09-21T09:29:00.000-07:00

Muitosestão comparando esse novo Conan(2011) com o filme de 1982 com Arnold Schwazenegger. Temos que encarar que aquié uma nova proposta, da mesma forma que o filme com o ex-governador daCalifórnia foi, porque, quem acha que aquele Conan se parecia com o personagemdo autor Robert E. Howard no qual foi baseado, está bem enganado.

Natrama conhecemos Conan (Jason Momoa), nascido na guerra e feito para matar.Desde criança (Leo Howard) mostrou habilidade incríveis para a batalha. Até queum dia sua tribo é dizimada por Zym (Stephen Lang), que busca juntar os pedaçosde uma máscara antiga para ressuscitar sua esposa. Conan cresce alimentandoessa vingança, bem como aperfeiçoando suas habilidades com a espada para serdigno de usar o artefato criado pelo pai.

Oroteiro vocês sabem o que esperar. O que foi a crítica negativa de alguns não meinfluenciou, o divertido de Conan sãoas quantidades de vilões que ele tem que estripar, cada um com umacaracterística diferente, apesar de não serem bem desenvolvidos nainterpretação, são melhores aproveitados do que os vilões coadjuvantes defilmes como Electra (2005) e Motoqueiro Fantasma (2007). O que incomodaé o fato de uma não explicação lógica para as tribos não destruírem a máscara,porque se ela foi despedaça poderia muito bem ser destruída, queimada etc.

"Sim, a grande máscara que não dá poder algum! Bwahaahaha!"

Odestaque da produção é do ator Leo Howard, o jovem que faz Conan quando criançarouba a cena do filme, ficamos até imaginando como seria as aventuras de Conan nessaidade. Mas Jason Momoa é um bom Conan? Ele não lembra Khal Drogo, seupersonagem na série da HBO Games of Thrones. Ele criou um personagem forte, mashá mais deslizes em sua interpretação do que um equilíbrio do personagem Conandeveria ser. Os vilões estão caricatos, forçados e esquecíveis.

Adireção de Marcus Nispel acerta no tom da violência, não exagerando nem saindode linha. Talvez a cena inicial choque, mas poderia ser bem pior. A montagem éfraca, é decepcionante o trabalho de continuidade do longa. Uma hora o bárbaroestá lutando à cavalo em outra ele está perseguindo e dessa vez bem lá atrás dooponente. Não há uma ligação coerente entre as cenas, percebemos que há takesdiferentes de uma mesma sequencia.

Comum final totalmente anticlímax, pois a batalha com o Khalar Zym deveriarealmente ser uma batalha em um lugar grandioso, Conan consegue ser um filme mais equilibrado que seu antecessor,mas possui vários defeitos provenientes do gênero.

Nota: 6

Rafael Sanzio

Cowboys & Aliens (Cowboys and Aliens)

2011-09-13T05:48:00.000-07:00

Mente aberta. É o que precisa ter paraassistir Cowboys & Aliens (2011).Uma das críticas negativas ao filme foi o fato de que ao juntar o gênerowestern com sci-fi o diretor Jon Favreau não conseguiu agradar a nenhum dos fãsdos dois gêneros. O que acontece aqui é que o filme não é um western e sim umfilme de ficção científica, por mais que aconteça no ano de 1873. Dito isso, aboa vontade tem que partir dos fãs do gênero faroeste e engolir as explicaçõescientíficas que acontecem durante todo longa-metragem.

Um cowboy (Daniel Craig) acorda no meio dodeserto sem ter qualquer memória de quem é ele, possuindo apenas um estranhobracelete de metal em seu pulso. Já na cidade, descobre ser um foragido da leie entra em confronto com o Coronel Woodrow Dolarhyde (Harrison Ford). Antes quetudo acabe em sangue, alienígenas invadem a cidadezinha e começa o ataque aosseres humanos. Com essa nova ameaça, o Cowboy sem memória precisa lembrar deseu passado e enfrentar essas criaturas do espaço.

Admitindo meu apreço pelo gênero western,posso dizer que a trama em seus momentos iniciais é bem envolvente, com atrilha sonora típica do gênero. É interessante como o roteiro insere osalienígenas em uma primeira aparição misteriosa digna das histórias de abduçãoalien. Infelizmente o mistério é pouco, não temos tempo de absorver aquelasaparições e nem o clima de faroeste, pois em poucas cenas somos jogados em umaaventura científica com os alienígenas atacando a todo o momento. Passado essaestranheza inicial, nos acostumamos com essa mistura de gêneros (e é preciso seacostumar ou então você pode odiar cada minuto do filme), com os clichês deambos os lados (aliens com couraça protegendo sua verdadeira forma epersonagens típicos de uma trama de faroeste). Difícil é ver algumas forçadasno roteiro para o avanço da história, como a total aceitação imediata doprotagonista a uma revelação na trama, não posso dizer sem dar spoiler, masficamos com a expressão “vai engolir essa desculpa?!”.

No quesito interpretação Daniel Craig estáuma porta em relação a emoção. Harrison Ford mostra seu lado rabugento (que éproveniente de sua personalidade normal) e com momentos emocionantes, bastandouma expressão facial do ator veterano para sabermos o que está acontecendo como personagem. Outra interpretação que talvez tenha passado despercebida é a doator Adam Beach (Nat Colorado), o personagem contém uma grande carga emocional, em poucas cenas ele consegue transpor seus conflitos para a tela e suas cenascom Harrison Ford são emocionantes com seus subtextos. Fica ao encargo de SamRockwell (Doc) e o padre o alívio cômico do filme. Já Olivia Wilde (Ella Swenson)empresta apenas sua beleza ao longa.

"Caraca, poderiam ter esperado mais um pouco..."

Mas o filme é bom ou ruim? Há umaexplicação rasa, mas lógica, para a chance de sucesso da raça humana daquelaépoca contra alienígenas mais desenvolvidos. Fãs do gênero sci-fi vão torcer onariz, pois a maioria dos filmes de invasão alienígena atuais, o exércitoamericano custa para ganhar, mas lembrem-se, geralmente as invasões da épocaatual já são em escala total e as infiltrações aliens de reconhecimento daTerra já tinham sido feitas. Já para o clima faroeste, depois de um tempo, ficainteressante ver os clichês do gênero inserido nessa loucura espacial.

A trilha sonora de Harry Gregson-Williamsfica ao lado do clima de faroeste, funcionando em quase todos os momentos,apenas em algumas sequencias o tom fica “aventuresco” demais, como na cenadesnecessária de pulo na aeronave. Talvez ter Indiana Jones no elencoinfluenciou na escolha dos tons das músicas.

Cowboys& Aliens não é umfaroeste, pois ficamos com a sensação estranha durante todo filme que o gênerofoi maculado por uma invasão alienígena. Cowboys& Aliens é uma ficção científica, só assim para absorver algumas explicações,mas mesmo assim acredito que os fãs do gênero pensarão “perder para cowboys,como?!”. Entre raios e balas, Cowboys& Aliens pode não ter acertado ninguém.

Nota:6

RafaelSanzio

Padre - Sem Cortes (Priest)

2011-09-12T09:07:00.000-07:00

Superficialmente baseado na HQ coreanade Hyung Min-Woo (na verdade só pegou o nome e a tatuagem no rosto), Padre (2011),confere uma visão alternativa ao mito dos vampiros, tornando-os maisanimalescos e sem qualquer charme proveniente de outros filmes. A direção deScott Charles Stewart não exagera na violência e nem na falta dela, conferindoao longa-metragem um equilíbrio na ação que agrada tanto a audiência adultacomo jovem.

A guerra entre humanos e vampiros sempreexistiu. Passando por gerações, os vampiros sempre possuíram a vantagem porserem mais fortes que seus inimigos, mas, a luz do sol impedia a aniquilaçãototal da raça humana. A balança pendeu quando um grupo de guerreiros criadospela Igreja, chamados de padres, surgiram com a força necessária para derrotaros vampiros. Agora com a ameaça controlada, os Padres foram colocados noesquecimento, mas um deles (Paul Bettany) precisará reutilizar suas habilidadespara salvar sua sobrinha de uma possível volta dos vampiros.

Primeiramente, é triste para os fãs domangá (HQ oriental) serem enganados dessa forma. Se realmente gostaram do nomeda série coreana, ao menos não anunciem como adaptação e nem sequer que sejabaseado se não tiver NADA baseado, exageram quando informaram que era baseadaLIVREMENTE, nossa... foi bem livre mesmo! Ao menos o filme em si não seconsidera uma adaptação, já que toma um viés totalmente diferente da trama dosquadrinhos. A única homenagem identificada é a introdução em desenho animado,que por sinal ficou excelente. Quanto a história, é interessante ver uma facetadiferente dos vampiros que estamos acostumados. Com exceção de Black Hat (KarlUrban) que representa o vampiro que a plateia desse tipo de filme reconhece. Asinfluências visuais da película e estética gráfica do cenário lembram muito osfilmes Blade Runner (1982) e Mad Max Além da Cúpula do Trovão (1985)para as cidades e deserto respectivamente. O que incomoda no roteiro é o fatode não explicarem o porquê da não destruição dos vampiros quando estes foramdominados, talvez a resposta tenha ficado para uma possível sequencia, mas umfilme precisa ser completo, por mais que uma pretensão de outro filme estejapreparada.

Paul Bettany é sempre esforçado em seuspapéis. Aqui o personagem mistura a angústia das privações que sofreu, com asede de luta que foi treinado para ter. Lembra as misturas do seu personagemSilas em O Código da Vince (2006) e DedoEmpoeirado (que nome...) em Coração deTinta – O Livro Mágico (2008). Karl Urban está à vontade como Black Hat,apesar de se resguardar como apenas o inimigo que conta vantagem até a luta final.Já a atuação sofrível de Cam Gigandet (Hicks) é necessária pelo seu personagemestar ali como muleta para as explicações e ensinamentos do mundo para opúblico que assiste ao filme.

Os efeitos especiais estão bons, comexceção de algumas cenas com a locomotiva, mas lutas e sincronia entre o CG eos atores reais estão bem feitas. Os vampiros lembram um dos monstros do filme Doom – A Porta do Inferno (2005), mas umpouco menos anabolizado.

Infelizmente não pude conferir estefilme em 3D, mas como uma produção de entretenimento Padre realiza com sucesso seu intuito. Divertido e bem feito, umfilme de ação sobrenatural que não traz nada de novo em quesito atuação ouroteiro, mas é uma opção para uma sessão descompromissada e sem preconceitos.

Nota:7

RafaelSanzio

Lanterna Verde (Green Lantern)

2011-08-24T09:24:00.000-07:00

O ponto fraco da produção da Warner Bros é o seu protagonista, Ryan Reynolds não demonstra a força de vontade necessária para levar o filme de super-herói da DC. Lanterna Verde (2011) é uma ótima adaptação do mundo do personagem dos quadrinhos da editora, mas precisa de pessoas mais empolgadas com o projeto para dar vida ao que se passa durante o longa-metragem.

Na trama do filme, existem várias forças no universo que produzem o equilíbrio em tudo que tem vida. Uma dessas forças é a cor verde, representando a força de vontade de cada criatura dos universos existentes. Os Guardiões da Galáxia são seres antigos que canalizaram essa força verde para formar a Tropa dos Lanternas Verdes, 3.600 defensores da paz do universo que protegem os mundos com sua força de vontade para o bem. Contudo, um ser que se corrompeu com a força amarela do medo, libertou-se da prisão e agora começa a devastar os mundos da galáxia. Essa ameaça provoca algo novo na Tropa dos Lanternas Verdes, o primeiro humano é escolhido, Hal Jordan (Ryan Reynolds) para ser o novo membro da tropa.

Não há problemas com a adaptação. As explicações são claras para aqueles que não conhecem o universo do herói. O anel do lanterna verde tem vontade própria (olá Senhor dos Anéis) para escolher os próximos lanternas e sua força estar ligada ao quanto de força de vontade seu usuário possui. Da mesma forma é bem dividida as tramas entre Parallax, a criatura corrompida pela força do medo, e o elenco humano que demonstra os interesses negativos da nossa raça.

Como explicado anteriormente o ponto negativo do filme é Ryan Reynolds, há vários motivos para isso, primeiro o fato do ator interpretar como interpreta a maioria dos seus personagens cômicos. Outro motivo é a falta de vontade (ironia com a trama do filme) na sua interpretação durante os momentos emocionantes que deveríamos crer no que o personagem diz, as cenas mais chatas do filme são as que Hal Jordan e Carol Ferris (Blake Lively) interagem, não pelo roteiro, mas pelas interpretações. Mark Strong faz o que tem que fazer, um Sinestro firme e sério, não dando muito espaço para interpretação, mas com forte presença. A interpretação de Peter Sarsgaard está ótima para o rejeitado Hector Hammond, percebemos que existe bondade, até mesmo humildade no personagem, mas as adversidades e como lhe trataram o deformaram.

Os efeitos especiais são muito bons, parabéns para a 4DMax, Gnomon Studios, Plowman Craven & Associates. Com exceções a pequenos momentos, como por exemplo, quando Hal acorda em Oa (planeta lar dos Guardiões da Galáxia), onde percebemos que Reynolds está inserido em um mundo digitalizado e na sequencia onde Hal aparece pela primeira vez para o povo da terra, os efeitos parecem saídos do filme do Máskara. Afora isso, eles concedem uma perfeição visual excelente para o filme, com cenas de ação bem coreografadas e que possuem uma boa sincronia com os efeitos especiais digitais.

Com uma boa história, efeitos especiais de qualidade, Lanterna Verde é um ótimo exemplo de que técnica e talento devem ser bons no mesmo nível. Não adianta uma maravilha visual, se seus atores não estão curtindo conosco essa maravilha, apesar de ter várias cenas no fundo verde, que no caso deve ter sido azul, não serve como desculpa, pois, as cenas que dependiam de boa interpretação foram feitas junto com pessoas reais. Faltou motivação para Ryan Reynolds, como também faltou público americano para o filme se dar bem na bilheteria.

Nota: 7

Rafael Sanzio

Quero matar meu Chefe (Horrible Bosses)

2011-08-16T12:42:00.000-07:00

Para os mais animados vou logo informando que o filme Quero matar meu Chefe (2011) não possui a melhor forma de fazer o que o título propõe, mas é uma grande comédia com um trio de protagonistas totalmente bem entrosados e com brilhos próprios para o humor.

A história mostra três amigos que sofrem em seus trabalhos por causa dos seus chefes. Dave Harken (Kevin Spacey) é um psicopata manipulador que impede o avanço de Nick Hendricks (Jason Bateman) na empresa, já Kurt Buckman (Jason Sudeikis) tem que aturar o filho de seu chefe, o futuro herdeiro da empresa o babaca inútil Bobby Pellitt (Colin Farrell) e por último o introvertido Dale Arbus (Charlie Day) tem que aguentar o assédio constante da sua chefe vadia ninfomaníaca Dra. Julia Harris (Jennifer Aniston).

Lógico que humilhações, assédios e injustiças possuem um limite e os três resolvem matar seus chefes. Como os próprios personagens mencionam, o filme Quero matar meu Chefe utiliza-se da premissa do longa-metragem de Hitchcock, Pacto Sinistro (1951), onde dois estranhos resolvem matar um inimigo do outro para que não haja suspeitas de seu envolvimento no crime. Óbvio também que o filme de 2011 passa longe da seriedade da trama de Hitchcock, transformando-se em uma comédia subversiva com um humor sarcástico e irônico.

A atuação do trio de protagonistas é um dos pontos fortes do filme. Há uma química facilmente percebida entre os três, Jason Bateman investe no lado responsável do grupo, quase sendo um pai e ficando com as piadas irônicas. Já Jason Sudeikis fica com a arrogância de ser o galante do grupo (uma das poucas ideias do filme que é difícil de engolir), piadas sexuais e metidas são com ele. Já Charlie Day faz o caçula do grupo, deixado de lado por não ter maturidade, o humor de Charlie lembra Steve Carell em certos momentos de descontrole, há até mesmo uma semelhança entre os dois. Mas os chefes não ficam para trás, Kevin Spacey destaca-se como o vilão da história, onde realmente ficamos tentados a querer esganá-lo. Jennifer Aniston capricha na sensualidade e na desenvoltura ao despejar palavrões sexualmente pervertidos, mas a idade já está atingindo a atriz. Por último está Colin Farrell, talvez o personagem menos aproveitado no longa-metragem, uma pena, suas piadas de demissões garantem boas risadas. O personagem de Jamie Fox é totalmente previsível, mas necessário para ponto de partida para toda a confusão.

O caminho do clímax é bem desenvolvido, dando-nos tempo para odiar os chefes dos personagens, soltando piadas para aqueles que concordam não ser um problema ser assediado por Jennifer Aniston. Passando da metade do filme, onde há uma reviravolta na trama, é uma sucessão de acontecimentos como uma desenfreada queda de uma pilha de dominós que ficamos assustados com a rapidez e fluidez da ação e comédia, que até mesmo não acreditamos que já chegou ao final. Desfecho esse que poderia ter ficado com menos cara de trama de desenho do Scooby Doo, menos explicações, mais diversão.

Divertido e inteligente, Quero matar meu Chefe é uma ótima opção para divertimento a dois, com um humor mais ácido e menos espalhafatoso, mas com uma ótima sensação de dinheiro bem gasto.

Nota: 9

Rafael Sanzio

Capitão América: O Primeiro Vingador (Captain America: The First Avanger)

2011-08-11T05:03:00.000-07:00

Será que a Disney realmente está influenciando na forma que os filmes da Marvel estão sendo produzidos? Observando o filme Thor (2011) podemos dizer que sim. A forma infantil como foi retratada seu desenvolvimento na Terra deixou muito a desejar toda a força do Deus do Trovão. Quanto a Capitão América, não podemos deixar de perceber a ingenuidade de como é tratada a guerra. Parecendo mais com um filme de aventura, do que um filme de super-herói, Capitão América: O Primeiro Vingador (2011) agrada como um longa de entretenimento, mas falta densidade em sua trama e um bom desenvolvimento de personagens.

A história acompanha o “crescimento” do personagem Steve Rogers (Chris Evans), um rapaz franzino e com a saúde precária que tenta a qualquer custo ingressar no exército para ajudar na luta contra os nazistas na Segunda Guerra Mundial. Rogers se destaca pelo seu caráter e é escolhido para o projeto do “Super Soldado” desenvolvido pelo cientista Abraham Erskine (Stanley Tucci), dessa forma Steve Rogers ganha uma força sobre-humana e vira o Capitão América.

O filme alterna entre as maquinações do vilão Johan Schmidt/Caveira Vermelha (Hugo Weaving) e a luta de Capitão América para ser levado à sério como combatente. O que já percebemos é que o Caveira Vermelha não consegue ser tão presencial como, por exemplo, o Coringa (Heath Ledger) do filme Batman – O Cavaleiro das Trevas (2008). Hugo Weaving não traz nada de novo à mesa vilânica da Marvel e o fato dos alemães não falarem alemão e sim um inglês com sotaque (mesmo entre eles, o que acaba com a explicação de falar inglês para outros personagens entendam) faz com que a ideia de um filme mais infantil se concretize.

Em certos momentos da trama há preguiça dos roteiristas em criar situações mais bem explicadas para resolver conflitos ou mostrar mais tática de combate de guerra. Como por exemplo, a infiltração de Capitão América na fábrica de armamentos, bem como a fuga em massa, não existe nenhuma dificuldade para serem realizadas. Além disso, as novas armas criadas pela Hidra reduziram os confrontos entre soldados da Hidra e soldados do pelotão americano em quase uma batalha sem violência como Star Wars.

Infelizmente os efeitos especiais não são dos melhores, com exceção da redução de tamanho de Chris Evans, praticamente o chamariz inicial da campanha publicitária do filme. Contudo, as cenas de ação são parcas e sem muita emoção. Decepciona o fato da força do Capitão não ser mostrada da forma brutal como nas HQs (histórias em quadrinhos). Em relação à maquiagem, o Caveira Vermelha continua não conseguindo passar terror, parece mais um primo irritado do Máskara.

O diretor Joe Johnston peca em exagerar nas cenas onde o Capitão América faz algo extraordinário e cresce trilha sonora heroica. Como foi bem observado em uma crítica, ficamos com a sensação que estamos assistindo um filme nos moldes de Indiana Jones. Mas não é tudo negativo, o início da trama é bem construída, focando na mensagem do caráter faz a força do ser humano, além das interpretações do simpático Stanley Tucci e o alívio cômico proporcionado por Coronel Chester Phillips (Tommy Lee Jones). O sentimento de patriotismo que muitos estavam receosos de ver não está tão marcante. Ele só aparece de forma constrangedora em uma sequencia do filme, que é tão embaraçosa para o público quanto para Steve Rogers.

Capitão América: O Primeiro Vingador carece de profundidade, consegue focar apenas no seu protagonista de forma satisfatória, mas ele não deixou de ser um garoto franzino, falta a determinação e a liderança nata (e inteligente) que estamos acostumados a ver nas páginas dos quadrinhos. E um lembrete para os realistas que não gostaram do filme, Rogers fez parte do projeto Super Soldado, sim ele pode correr muito, bater muito e nadar muito!

Avante Vingadores! Alcancem a maturidade e chega de infantilidade!

Nota: 6

Rafael Sanzio

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2)

2011-08-01T12:57:00.000-07:00

Acabou. A não ser que os produtores da franquia Harry Potter adaptem para os cinemas o livro Os Contos do Bardo Beadle, não veremos mais o mundo de J.K. Rowling no cinema. Isso é bom? Sim, finalizar um processo de tantos anos é gratificante e também um alívio. A saga Harry Potter acompanhou o crescimento de vários jovens, juntamente com seus atores principais, para um desfecho emocionante e dinâmico. Com ação e proposta de acabar com uma história que desenrola por mais de sete anos, Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 (2011) é bem melhor que a primeira parte, menos enfadonha e com o fim que todos esperávamos.

Na trama, Harry (Daniel Radcliffe) acaba de enterrar seu amigo Dobby e Voldemort (Ralph Fiennes) acaba de roubar a varinha do falecido Dumbledore (Michael Gambon). Agora que o Lorde das Trevas acredita que está de posse de uma das relíquias da Morte, ele prepara o ataque definitivo contra seus opositores. Enquanto isso, Harry e seus amigos seguem mais audaciosos para encontrar e destruir as Horcruxes, objetos malignos que possuem parte da alma de Voldemort. Todas as ações levam de volta ao castelo de Hogwarts, onde uma incrível guerra culminará no fim da batalha entre o bem e o mal.

O que é perceptível entre a parte 1 e a 2 é o dinamismo que este último filme ganhou em comparação ao seu predecessor. Neste não há necessidade de explicar o novo arco de história, as situações e investigações sobre o passado de alguns personagens. Aqui são as ações finais para o desfecho da história, com grandes revelações, mas que não fazem perder o ritmo do longa-metragem.

As interpretações continuam as mesmas dos últimos filmes. Ralph Fiennes com sua versão espalhafatosa do Lorde das Trevas, que em certas cenas provoca mais risadas do que medo ou temor. Daniel Radcliffe, Rupert Grint e Emma Watson continuam se esforçando em fazer um bom trabalho, comparado aos primeiros podemos dizer que eles amadureceram em relação a interpretação. Um dos momentos mais emocionantes do longa é a história de Snape, que ao meu ver não é mérito do ator Alan Rickman (que liga o modo frio para interpretar o professor de poções), ou seja, a cena é emocionante por acompanharmos os livros, sabermos o que Snape passou e toda a forma que o diretor David Yates tratou o momento. O momento só vira cômico em outra cena, onde praticamente uma gota de lágrima vira 100ml de água.

Os efeitos especiais foram aperfeiçoados, com o dragão de Gringotes fazendo seu show à parte. Demais elementos, como feitiços, foram reduzidos a golpes luminosos e infelizmente o duelo de McGonagall (Maggie Smith) e Snape foi reduzido a esse tipo de efeito, nada de adagas voadoras. Contudo, um duelo melhorado foi a batalha entre o próprio Voldemort e Harry Potter, que posso dizer foi melhor do que o livro com direito a capa mortalha-viva. Não precisou de declarações constrangedoras como “Snape sempre foi de Dumbledore”.

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 termina com emoção, ação e a sensação de saga terminada, sem nenhuma vontade de querer mais (isso não foi um comentário negativo). Com suas licenças poéticas em relação aos livros, David Yates fez um bom trabalho, agradando a fãs dos livros e dos filmes. Só gostaria que tivesse melhorado no envelhecimento dos atores na cena final e deveria ter aproveitado para mostrar as mortes que não apareceram no livro, como a de Tonks e Lupin. No mais, adeus Harry Potter!

Nota: 9

Rafael Sanzio

POST NÚMERO 100 - Game Of Thrones - Recomendo!!!!

2011-07-06T08:58:00.000-07:00

Esse é o nosso post número 100. E apesar de todas as premissas, não irei falar de um filme em especial, mas uma série que me encantou com sua qualidade estética e história cativante: Game of Thrones.

A série da HBO adapta o romance do escritor George R. R. Martin, A Song of Ice and Fire. O apelo do título do primeiro livro serviu de base para nomear a série. A história conta a luta política e física dos Reinos de Westeros para possuir o trono que comanda todo o continente.

A qualidade da fotografia e figurino impõe respeito a produção da HBO, sua estética produz uma sensação de realidade e veracidade em seus personagens. Mesmo que uma parte da história seja destina ao misticismo.

O elenco é ótimo. A presença de bons atores e bem dirigidos faz com que cada um de nós se identifique com um personagem. Como a interpretação é excelente, fica difícil saber que personagem irá sobreviver para ver a próxima temporada. Ou seja, durante a série (para quem não leu o livro) é difícil de imaginar os produtores descartando atores bons por motivos de história, mas é isso que causa impacto e vulnerabilidade por parte do telespectador. Até mesmo a cara inexpressiva (perdão, ela não é inexpressiva, só tem uma expressão) da atriz Lena Headey serviu para a Rainha Cersei Lannister a qual interpreta.

O final de cada capítulo deixa o público ansioso para o próximo. Divididos em episódios de uma hora, é muito pouco para saborear todas as informações contextuais e estéticas do seriado. O que é realmente uma pena, mas ao menos podemos pensar que comparada a uma adaptação de um livro para o cinema, foi acertada a decisão em adaptá-lo para a TV com a qualidade HBO. Os fãs do livro devem reclamar de algo, mas a maioria deve agradecer por essa decisão.

Sean Bean como Ned Stark encabeça o grupo de atores bem sucedidos neste filme. Mark Addy como Robert Baratheon emprega seu carisma ao personagens, mas de certa forma de um jeito diferente dos seus personagens padrões, se percebermos há tristeza em sua fanfarronice. Peter Dinklage é o alívio cômico (satírico) da série, sua estatura não o impede de ter embates e diálogos fortes e cheios de presença. Há vários atores que deveriam ser citados, mas o importante foi passado, o elenco é ótimo.

A trilha sonora é envolvente. O alemão Ramin Djawadi compôs uma música tema de abertura que fica impregnada em nossa mente. E vale destacar a trilha sonora de mistério envolvendo os Caminhantes Brancos, que se escutarmos com atenção poderemos imaginar o frio que advém dela.

Os diretores foram espertos em mesclar ação e políticas nos episódios. Apesar de achar que há bem mais política do que batalhas, mas acredito que essa é a idéia da série e nem faz tanta falta assim. Foi correto a economia nos efeitos especiais, contudo, cenários e figurinos estão perfeitos.

Game Of Thrones é uma série imperdível para aqueles que gostam de séries de época com uma pitada de misticismo e fantasia.

Nota: 10

Rafael Sanzio

X-Men: Primeira Classe (X-Men: First Class)

2011-06-13T08:53:00.000-07:00

O que marca e o que se destaca no filme X-men: Primeira Classe (2011) são os atores principais. A qualidade de suas interpretações e envolvimento com a história produzem uma qualidade que geralmente não é vista nos filmes de super-heróis. Estou falando dos atores Michael Fassbender (Erik Lehnsherr/Magneto) e James McAvoy (Charles Xavier).

Na trama, os mutantes surgem cada vez mais envolvidos com a política na década de 70. Sua atuação é tão grande que o vilão Sebastian Shaw (Kevin Bacon) líder do famigerado Clube do Inferno, que manipula as ações governamentais para conseguir a terceira guerra mundial. Enquanto isso, Erik Lehnsherr inicia sua corrida de vingança contra os nazistas que mataram sua família e o torturaram. Do outro lado da história está o mutante Charles Xavier, com seu conhecimento em mutação genética é convoado para ajudar a CIA a prender Shaw e montando um time que desafie as forças mutantes do terrorista.

A história é bem conhecida do mundo mutante, falamos de aceitação. Mas, além da aceitação da sociedade o filme desenvolve a aceitação pelo que você é. Este tema desenvolve uma sub-trama inspirada, com a personagem Mística (Jennifer Lawrence) lidando com a questão com equilíbrio e sem drama excessivo.

Como bem citei anteriormente, o filme ganha vários pontos com os dois atores principais. Michael Fassbender, que mostrou sua interpretação em Bastardos Inglórios (2009), produz uma carga emocional ao personagem que induz o leitor a simpatizar-se com a causa dele e não entender as reações dos humanos. No final das contas, sempre escolhemos trucidar o vilão. Quanto a James McAvoy, o fato de descaracterizar a visão certinha de sua versão mais velha é ideal para nos familiarizarmos e McAvoy construir um personagem próprio sem ter que se espelhar nos maneirismo da interpretação de Patrick Stewart.

Quanto ao restante do elenco a turma jovem não se destaca, se mantém no nível das descobertas das capacidades de seus poderes e para ligação ao público jovem. Com exceção de Nicholas Hoult (Fera) que participa da sub-trama da aceitação. Kevin Bacon desenvolve um vilão bom vivant que tem os trejeitos de todo vilão: megalomaníaco. A maior decepção vem dos subalternos, sem muitas falas. Irrita o fato de estarem ali só para aplicar poderes legais. Como Maré Selvagem (Álex Gónzalez), que sequer tem alguma fala. É melhor ter um apenas com boa fala do que um caladão sem expressividade.

O diretor Matthew Vaughn criou vários momentos interessantes no filme. As cenas iniciais com Erik com os nazistas lembra muito Bastardos Inglórios, ângulos de câmera, situações e uso dos silêncios e tensão. Azazel (Jason Flemyng) é protagonista de uma das cenas de invasão mais legais de filmes de super-heróis.

Ponto fraquíssimo vai para os efeitos especiais. Fera parece um bicho de pelúcia e a dublagem da voz do ator com as mandíbulas não foi bem feita (mesmo problema de Venom em Homem-Aranha 3 (2007)). A sequencia de luta de voo é precária. Magneto e seu controle de metais é muito mal produzido quando o garoto se irrita no consultório de Shaw.

O diretor transita entre a ação violenta e ingênua. O primeiro tipo agrada pelo fato de não esperarmos isso de um filme de entretenimento para jovens, não é visceral, mas a intenção com que é provocada é agressiva o suficiente para espantar, essas ações são realizadas graças a presença de Erik na trama. Quanto a ação ingênua (que é a maioria) é produzida nos combates dos jovens mutantes e nos membros do Clube do Inferno, desde a golpes de espada que não produzem sangue até pessoas que quando vão ser obliteradas corta para outra cena.

Acredito que X-men: First Class está sendo supervalorizado pela crítica, principalmente a crítica nerd especializada. O filme é bom, mas precisa diminuir as cenas mirabolantes se não é capaz de produzi-las. Afinar os efeitos especiais e ter mais coragem em manter o ritmo e a carga emocional que foi produzida nas cenas de Fassbender na jornada vingativa de Magneto.

Nota: 8

Rafael Sanzio

Piratas do Caribe 4 – Navegando em Águas Misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides)

2011-05-28T16:21:00.000-07:00

Piratas do Caribe volta as suas origens. Sob a direção de Rob Marshall, Piratas do Caribe 4 – Navegando em águas Misteriosas (2011) volta ao bom equilíbrio da série protagonizada pelo carismático Jack Sparrow. Com isso, apesar de achar perigoso continuar com a franquia, o sucesso e a diversão com o novo filme é garantido.

Na trama, Jack Sparrow está em busca da Fonte da Juventude, apesar de não se esforçar tanto para isso. Contudo, mais uma vez ele é empurrado para aventura quando Angélica (Penélope Cruz) entra em seu caminho e exige sua ajuda pois Jack é o detentor do mapa para a fonte. Então, mais uma vez, Jack enfrentará perigos inimagináveis, sobrenaturais e o pirata mais temido dos sete mares, Barba Negra (Ian McShane).

Devo admitir que não tinha boas expectativas quanto ao novo Piratas do Caribe, quem sabe até isso seja uma boa dica para quem não quer se decepcionar, baixe suas expectativas e no mínimo você conseguirá algo além do que esperava. Os roteiristas Ted Elliot e Terry Rossio conseguiram a proeza de fazer uma aventura divertida, com pitadas de sobrenatural (algumas sem explicação) e não colocar só ação (ponto fraco do segundo filme). O arco da história entre o missionário e a sereia não tem a mínima intenção de ser o novo Elizabeth e Turner (o que foi uma ótima surpresa).

As atuações estão bem convincentes. Johnny Depp não exagera na interpretação, apesar do sucesso de Jack. As novas adições de Penélope e Ian McShane ficaram marcantes, principalmente Barba Negra, precisa ser um vilão com muita presença para se destacar no meio de tantos personagens esquisitos. Quanto a Geoffrey Rush, apesar de achar estranho no início, convenhamos que o seu personagem agora está na corte e isso é caracterizado por seu novo sotaque e expressões, mas o peso interpretativo de Rush merece pontos para a série.

História, ação e aventura. Tudo está balanceado da forma certa em Piratas do Caribe 4, características que nos encantaram no primeiro filme. Não há o que reclamar desse filme de entretenimento, foram pelo caminho certo e deixaram a megalomania de lado. Piratas do Caribe 4 – Navegando em águas misteriosas dá um novo fôlego a franquia, mas será que Depp aguenta?

Nota: 9

Rafael Sanzio

Obs: O filme possui cenas no final dos créditos.

Thor 3D

2011-05-04T14:43:00.000-07:00

Rápido. Essa é a sensação ao término do filme de Thor. Pode-se afirmar que essa sensação apareceu pelo filme ser bom e ter um gostinho de quero mais. Mas desconfio que a sensação de rapidez veio pelo fato de que Thor não deixou nada de profundo ou interessante para analisar ou lembrar. Asgard não encantou e nem seu filho pródigo foi o suficiente para chamar a atenção.

Na trama, Odin (Anthony Hopkins) zela pela paz dos Nove Reinos, para mantê-la formou uma trégua com o Rei dos Gigantes de Gelo após uma dura batalha. Após anos do ocorrido seu arrogante filho Thor (Chris Hemsworth) e o ardiloso Loki (Tom Hiddleston) disputam o trono de Asgard. Com uma atitude impensada, Thor ameaça a frágil trégua com os Gigantes de Gelo. Em represália a esse ato, Odin expulsa Thor de Asgard e mando-o para o exílio na Terra. Sem poderes, Thor terá que aprender a ser humilde enquanto Loki arquiteta um plano para chegar ao trono de Asgard.

O que impressiona é a simplicidade do roteiro (para mim ponto negativo). O que era esperado do shaksperiano Kenneth Branagh seria um rebuscamento poético na fala dos personagens de Asgard, mas seus diálogos são tão rasos quanto os da Terra. O que anima um pouco são as pequenas referências do universo Marvel como a presença do Gavião Arqueiro (Jeremy Renner), a menção à Bruce Banner e a cena pós-créditos finais. Uma pequena centelha da contribuição do diretor pode ser vista na cena do embate emocional entre Loki e Odin na câmara dos tesouros.

Não assistam em 3D. O 3D é desnecessário e só atrapalha nas cenas de ação. Quanto as interpretações Clark Gregg é carismático como o Agente Phil Coulson. Chris Hesmworth é Thor, com todas as consequências que essa afirmação acarreta. No caso de Tom Hiddleston, gostaria de ter visto uma interpretação mais sádica e maliciosa, mas acredito que o Loki que vemos nessa versão é um mais tímido, verde e sem a maliciosidade extremada que vem com a experiência.

Não tenho contatos suficientes para saber se com a associação à Disney o filme de Thor ficou mais infantil, mas o que eu vi foi um personagem sem muitos atrativos, com um potencial vilão a ser melhor trabalhado. Thor não é um filme memorável sequer ótimo. Sem graça.

Nota: 5,5

Rafael Sanzio

Rio

2011-04-24T14:02:00.000-07:00

Fiquei feliz por ver a opção no cinema de Rio legendado. Finalmente os cinemas brasileiros tiveram consciência que filme de animação não é feito só para crianças ou tudo fez parte de uma pacotão que o cinema não pode recusar? Especulações à parte, optei pela versão dublada que a seguir explico.

A história mostra Blue, uma arara azul que foi capturado quando filhote e foi levado do Brasil para os EUA. Um acidente faz com que a arara caia nas mãos de Linda, uma garotinha reservada que promete cuidar dele para sempre. Quando os dois se tornam adultos, um biólogo (na verdade cientista especializado em pássaros que esqueci o nome grande dessa profissão) que revela que Blue pode ser o penúltimo de sua espécie. Ele precisa voltar ao Brasil e acasalar com Jade, uma arara azul fêmea. Com uma responsabilidade enorme Linda e Blue viajam para o Brasil e o pássaro terá que se adaptar a nova região e principalmente a uma mal-humorada Jade.

O diretor Carlos Saldanha engrenou após a Era do Gelo e para meu agrado ele não repetiu o estilo de vilões das dos últimas aventuras de Cid, Manny e Diego. Aqui temos vilões com personalidades, pode até conferir m ar clichê a animação, mas promove uma dinâmica necessária ao longa-metragem.

O trabalho de dublagem brasileira está ótima. Optei pela versão dublada pois tive receio de perder o "tempo" das piadas. Por mais que a pessoa saiba inglês, pode bater aquela preguiça ao ver as legendas. Único problema ao escolher a versão em português é não notar a dificuldade da personagem Linda em falar português.

Sempre é estranho ver um filme estrangeiro falar do Brasil, procuramos falhas para criticarmos. Mas lembrem-se, o filme é dirigido por um brasileiro! Então, tem mais chance de ser fiel aos nossos costumes, sim, ele pega a época do carnaval, mas era necessário para o infeliz conhecimento prévio que a sociedade internacional tem de nós.

Rio é uma boa animação, bem feito em closes, mas destoa um pouco nas panorâmicas, com a nítida percepção das paisagens com os personagens inseridos plasticamente em algumas cenas de voo. Fora isso, tem gingado e boas piadas. ótima opção em família.

Nota: 8

Rafael Sanzio

Simples ou Complicado?

2011-03-23T11:17:00.000-07:00

Ainda discutindo sobre as repercurções do Oscar, debati brevemente acerca de um assunto interessante. Conversando com um colega, eu disse que qualquer flme que estava concorrendo poderia ganhar a estatueta de melhor filme, menos A Rede Social (2010), picuinha apenas! Aceitando essa ideia, revelei qye minha opção seria o filme Bravura Indômita (2010), mas sabia que não iria ganhar porque era muito "simples". Meu colega então afirmou que um filme não precisava ser complicado para ganhar um Oscar.

Vamos esclarecer! Um filme simples é aquele que tem uma estrutura narrativa linear, com temática de fácil acesso, sem inovações de ângulos e personagens esteriotipados, tudo isso em um pacote só. Isso acontece no filme dos irmãos Coen, Bravura Indômita têm sua iquestionável qualidade mediante as interpretações dos seus atores principais e um roteiro mordaz e fial a sua linha western (Faroeste para nós), mas não deixa de ser simples! Bem, simples demais para querer abocanhar uma estatueta (apesar de achar que não era a intenção dos diretores). Já conhecemos o tipo de personagem Cogburn (Jeff Bridges) é: decadente que tenta mostrar que ainda é o melhor pistoleiro (Engraçado como o personagem parece com o cantor de country que Jeff Bridges interpretou em Coração Louco). A menina com mente de adulta também é normal nos filmes e as demais traams consequentes de um faroeste.

Um filme complicado (uso essa palavra por questões humorísticas) possui diversas qualidades, inovações, contextos e subcontextos em sua trama que fazem o público voltar a assistí-lo não por ser de um gênero que goste, mas para entendê-lo sob uma nova ótica que ele disponibiliza. Assim, ele pode receber o título de melhor filme. O filme de Darren Aronofsky, Cisne Negro (2010), encaixa-se nesse tipo. Tem uma trama interessante, abusa de subcontextos e simbolismos e suas cenas, a atuação de Natalie Portman acrescenta pontos a análise fílmica e contém uma complexidade em sua protagonista. Suas qualidades não forem suficientes para derrotar O Discurso do Rei (2010), mas têm tanta originalidade quanto o vencedor do Oscar de Melhor Filme.

Certo, você pode me dizer e encontrar simbolismos em Bravura Indômita, mas não pode cair no erro de inventar significados que não existem. Na trama do western, notadamente Cogburn (Jeff Bridges) asssume o posto de pai da garota (Hailee Steinfeld) e ela o vê como tal e não como Marcelo Hessel diz no Omelete que (SPOILER) ao chupar o veneno da cobra do braço de Mattie, na verdade Cogburn sela um beijo simbólico que traduz o relacionamento dos dois, com Mattie apaixonada por ele. Não vamos exagerar! No máximo ao envelhecer Mattie considerou melhor as qualidades de Cogburn, mas não em sua aventura de infância.

Filmes simples são um ótimo entretenimento, nos concedendo as vezes boas interpretações. Mas o melhor filme é aquele com originalidade, que nos faz refletir, emocionar e ensinar, tanto ao público como a outros cineastas.

Rafael Sanzio

Cisne Negro (Black Swan)

2011-03-06T08:42:00.000-08:00

Para quem esperava um drama inocente sobre balé e uma paixonite entre aluna e professor, teve uma assustadora e agradável surpresa com o filme Cisne Negro (2010). O longa-metragem expõe as psicoses de uma jovem bailarina, enquanto tenta alcançar o sonho de ser famosa e cair nas graças de seu mentor. Darren Aronofsky consegue mais uma vez criar um filme interessante, canalizar as angústias do personagem na tela e nos fazer prender o fôlego a cada frame.

Na trama, Nina (Natalie Portman) faz parte de um grupo de balé que precisa renovar sua companhia para atrair um público maior, o diretor da companhi Thomas Leroy (Vincent Cassel) então decide recriar o lago dos cisnes, com a personagem principal sendo ao mesmo tempo o cisne branco e o cisne negro. Nina vê a oportunidade de ser uma grande bailarina, mas precisará vencer seus medos e sua mente que cada vez mais deturpa o que é real da ilusão.

Surpreende a maneira com que o diretor Darren Aronofsky leva o filme, criando o suspense e a trama para o desenvolvimento da esquizofrenia de Nina. Como a sutileza do balé, cada imagem, som são importantes para a simbologia da loucura de Nina. Ao exemplo do som das risadas que surgem a cada limite ou percepção do irreal que a personagem atravessa ou nota.

Natalie Portman mereceu o Oscar. Sua interpretação ofusca as dos demais atores, se é que não foi a intenção do diretor dar tamanho destaque a atriz. Nenhum personagem se sobressai quanto as cenas de angústia, tristeza e alegria de Portman.

Darren Aronofsky é elogiado pela crítica com seus filmes diferentes. Fonte da Vida (2006) e O Lutador (2008), são provas da contínua qualidade do diretor americano. Já é hora dele ser agraciado com uma estatueta, quem sabe ano que vem.

Nota: 10

Rafael Sanzio

Caça às Bruxas (Season of the Witch)

2011-02-21T06:01:00.000-08:00

Nicolas Cage dificilmente voltará a subir ao palco da noite do Oscar. A não ser que alguém como Darren Aronofsky o resgate do limbo dos filmes sem substancia como fizera com Mickey Rourke em O Lutador (2008). A diferença de Rourke e Cage é que Nicolas, de certa forma, não está em decadência. Ele possui um carisma natural, assumindo agora m posto de “eu faço o filme que eu quiser, dane-se o que os outros acharem”. Após sucessos de ação nos anos 90, é legal ter esta estabilidade. Portanto, dessa nova concepção para cá, Nicolas Cage fez vários filmes constituídos com boas premissas (às vezes), mas finalizações capengas. Ao exemplo disso temos: Motoqueiro Fantasma (2007), O Vidente (2007) e Presságio (2009). Caça às Bruxas (2010) segue essa mesma linha de filmes, com altos e baixos e com o carisma presente de Cage.

Na história, Behmen (Nicolas Cage) e Felton (Ron Perlman) são cavaleiros das Cruzadas que passam anos levando o nome de seu Deus às terras pagãs. Mas depois de tanta carnificina, os dois cavaleiros ficam cansados e viram renegados ao desertarem da Guerra Santa. Ao voltarem para a Europa, notam a desolação da região pela peste, praga atribuída à feitiçaria de uma jovem (Claire Foy) que é acusada de bruxaria. Com a Igreja no comando, os dois desonrados cavaleiros podem reconquistar sua reputação se conseguirem levar a bruxa para um monastério distante onde ela será devidamente julgada.

Para quem conhece o trabalho de Joseph Campbell e Cristopher Vogler, o roteiro de Caça às Bruxas está na linha do trabalho desses dois escritores, A Jornada do Herói. Leitura essa obrigatória para quem quiser conhecer a estrutura narrativa das histórias e geral, desde os mitos antigos aos filmes Hollywoodianos. Aqui podemos perceber o herói, no seu mundo comum que são as guerras e resolve sair dele tentando transformar-se. Aparece a chamada à aventura que é levar a bruxa ao monastério e nessa jornada incorpora-se aliados e inimigos a jornada até chegar ao objetivo final. Previsível, mas bom entretenimento. Para aqueles que esperam mais de um roteiro, você ficará decepcionado ao ver que tudo é simples, sem nenhuma trama intricada ou demais possibilidades.

Apesar dessa simplicidade do roteiro, o diretor Dominic Sena produz momentos interessantes no filme, o que diz respeito a ação ou produção do clímax. Em destaque a luta final e maneiras diferentes de destruir inimigos e a sequência inicial.

Para aqueles que gostam de filmes um “algo à mais” vai ficar na cabeça durante todo o longa metragem a nítida certeza que deveria ter ido assistir um filme mais substancial. Para aqueles que curtem uma ida ao cinema, sem pensar demais e se divertir acima de tudo, Caça às Bruxas é um bom entretenimento.

Nota: 6

Rafael Sanzio

Enrolados

2011-01-26T10:36:00.000-08:00

Seguindo a tradição de levar às telas as histórias das mais famosas princesas, a Disney finalmente traz a história de Rapunzel, escolhendo acertadamente agradar o século em que está e fazer uma versão animada por computador. Além disso, retira a nobreza do príncipe tornando-o em um ladrão.

Na trama, Flynn Ryder (Luciano Huck) um egoísta ladrão, rouba a tiara da “princesa perdida” e foge dos soldados do rei. Ele consegue escapar subindo no alto de uma torre escondida no meio da floresta. Lá, tem um encontro com Rapunzel (Sylvia Salustti), uma garota de longos (e bota longos nisso!) cabelos loiros que vive presa dentro da torre por causa de sua falsa mãe, Gothel, que a raptou quando criança e utiliza os poderes mágicos do cabelo da princesa para rejuvenescer. Com esse encontro Rapunzel vai aprender a viver e Flynn a amar.

Como é um filme de computação gráfica, às vezes esqueço que a Disney está envolvida e não a Pixar. Aqui o projeto é da gigante do Mickey e por ser assim, sua trilha sonora é recheada por músicas originais e personagens cantando e dançando por 1/3 do filme. No começo é assustador, acostumado com a Pixar e sua trilha sonora instrumental ou indiferente se os personagens estão cantando ou não, mas Enrolados (2010) consegue o que quer e agrada: transformar cada canção em um show e é por isso que a Disney é conhecida.

A distribuidora brasileira aproveitou-se do fato de Luciano Huck fez o papel de marido de Rapunzel em Xuxa em Mistério o Feiurinha (2009). Esse deve ter sido o único motivo, pois a atuação do apresentador é fraca e não combina com o personagem. Ainda bem que não inventaram de colocá-lo para cantar.

Rapunzel tem personagens marcantes. Entre eles Max, um inusitado vilão cavalo caçador?! E a própria Rapunzel, que tem um carisma apaixonante e uma poderosa frigideira. Não posso deixar de comparar com a última produção da Disney com temática princesas: A Princesa e o Sapo (2009). Rapunzel consegue ser bem mais divertido, dinâmico e com um humor sensacional que coloca a princesa de Nova Orleans no chinelo.

Enrolados é previsível, mas encantador. Nós sabemos o que vai acontecer, podemos adivinhar como vai acontecer, mas a jornada até lá é gratificante. Um ótimo filme da Disney. Se não fosse a voz de Luciano Huck eu recomendaria.

Nota: 9

Rafael Sanzio

Crítica dos Clássicos – Festim Diabólico de Hitchcock (Rope)

2011-01-18T07:08:00.000-08:00

Que Hitchcock é o mestre do suspense todos sabem ou conhecem a fama. O filme Festim Diabólico (1948) é conhecido por seu longo plano sequencia sem cortes, que na verdade existem. O filme não fez sucesso na época, devido a vários fatores, mas o que podemos perceber é o fato de mesmo que um longa-metragem possua um famoso diretor, se sua trama e personagens estiverem aquém da tolerância moral da sociedade, o filme é fardado ao fracasso.

Na trama, Brandon (John Dall) e Philip (Farley Granger) matam um antigo colega de turma pelo prazer de matar e logo depois escondem o corpo em um baú. No mesmo dia organizam uma festa com a família da vítima como convidados. Para transformar o assassinato em um crime perfeito, chamam o antigo professora da turma, Rupert Cadell (James Stewart) para participar da festa, ele é o único capaz de suspeitar do que aconteceu.

O filme é a adaptação da peça inglesa de Patrick Hamilton, Rope’s End. Que por sua vez é inspirada em um caso verídico. O roteiro do filme se dispõe em conversas, sem muita ação, para demonstrar a casualidade dos fatos para os dois assassinos. Que por sinal, possuem características relevantes. Ambos são homossexuais. Para um filme de 1948, isso é ousado. No roteiro original da peça, a linguagem inglesa transposta para a americana transformava as palavras em termos de duplo sentido, escancarando a opção sexual dos dois, o que a censura não permitia. Mas, mesmo com o polimento dos roteiristas Hume Cronyn e Arthur Laurents é perceptível o relacionamento dos dois personagens.

Infelizmente para quem assiste agora, a cena inicial não passa de café-com-leite em comparação as carnificinas que existem nos filmes atuais. O rapaz sendo morto não há emoção, movimento e tensão, apenas o grito. Sem graça. Mas, tecnicamente, Hitchcock sobrepõe-se aos erros. Sua intenção foi fazer um filme como uma peça, ou seja, era preciso dar essa impressão de continuidade para o público. Fazer um único plano sequencia seria o ideal, mas cada rolo de filme possuía apenas 10 minutos. Concluindo, foi preciso fazer 9 cortes durante o filme e para que não fossem tão bruscos Hitchcock utilizou-se das costas dos atores ou de pilares para seguir com seu filme e com a naturalidade de uma peça.

A técnica ensaiava as cenas um dia antes, para sair tudo perfeito para a equipe de filmagem. Friso a parte técnica porque o diretor não se importava muito com os atores nesse filme em particular, era um show de fios de câmeras pelo chão que Farley Granger tinha que fazer acrobacias imperceptíveis para chegar na sua marcação. O sincronismo das cenas está perfeito, principalmente na cena no qual Brandon vai guardar a corda. E a melhor sequencia do filme, com as qualidades do diretor Hitchcock, é a cena na qual Sra. Wilson (Edith Evanson) vai retirando os alimentos de cima do baú e gradativamente vai chegando o momento de abri-lo.

Com nenhuma segurança partindo do diretor, que estava ocupado demais com a parte técnica, Festim Diabólico perde em interpretação em um dos seus protagonistas. James Stewart, o ator perde-se numa interpretação vaga e que me deixou na dúvida se ele queria mesmo fazer um personagem velho ou era má interpretação. Mas, o crédito de boa interpretação vai para John Dall, seu charme e elegância transpareceram na personagem que ficou admirável, mas com sua nítida malevolência disfarçada em gracejos.

Festim Diabólico não fez sucesso. Se imaginarmos que o motivo fora a mentalidade da época, podemos fazer uma leitura conveniente do próprio tema do filme para o filme em si. Brandon e Philip são homossexuais que escondem seus desejos dentro de um baú, o professor representa a moral da sociedade que irá descobrir tal opção dos dois e ao abrir o baú revelará seu ato criminoso. Como o Rupert Cadell disse “Deixe que a sociedade julgue vocês”, ela julgou o filme e o condicionou a morte. Ao menos nos Estados Unidos.

Nota: 8

Rafael Sanzio

As Crônicas de Nárnia – A viagem do Peregrino da Alvorada (The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader)

2010-12-31T09:17:00.000-08:00

Não sei como ainda existem filmes da franquia Crônicas de Nárnia. O primeiro foi ruim, ingênuo e com ação capenga. O segundo evoluiu um pouco, mas os telmarinos não tinham charme suficiente para agradar a produção. O terceiro filme, As Crônicas de Nárnia - A viagem do Peregrino da Alvorada (2010) bebe da fonte de filmes como da safra de Sinbad ou até mesmo de Piratas do Caribe, apresentando uma busca fantástica com perigos a cada ilha.

Na trama, Lúcia (Georgie Henley) e Edmundo (Skandr Keynes) ainda estão na Inglaterra esperando sua vez de viajarem para reencontrar com seus pais. Edmundo luta para sair da sombra do irmão e mostrar que é capaz de resolver seus problemas sozinho e liderar uma nação. Já Lúcia permanece na sombra da irmã, desejando ser tão linda quanto ela. Os garotos terão que resolver seus problemas ao voltarem para Nárnia, ajudando o rei Caspian (Ben Barnes) na busca pelos sete Fidalgos de Telmar para derrotar um grande mal. A tira colo, deverão suportar a presença do primo chato e cético Eustáquio (Will Poulter), que acabou por entrar na jornada a contra gosto.

Há uma preguiça no roteiro, apresentando rapidamente Edmundo, Lúcia e Eustáquio. Mas o ponto fraco é a mesmice das motivações das buscas, as soluções para os conflitos e algumas idéias estapafúrdias dos personagens. Onde já se viu preferir acampar na praia de uma ilha desconhecida do que ficar no barco e esperar até o amanhecer? Além disso, não é explicado o fato de Caspian ainda estar vivo! Se alguns meses na Terra equivalem à décadas em Nárnia, porque agora na volta isso não funciona? E o surgimento do grande mal é, no filme, algo gratuito e serve apenas como pretexto para a jornada.

Edmundo e Lúcia conseguem manter o filme como protagonistas, não sentimos falta dos outros dois irmãos. Príncipe Caspian, agora rei Caspian, também demonstra força para ser protagonista de outro filme. Mas Will Poulter, como Eustáquio, só serve como alívio cômico. Mesmo com sua evolução no final não imagino e nem quero pensar nele como personagem principal de um quarto filme.

A direção de Michael Apted ganha na sequencia final. Mas perde muito em momentos diversos do longa-metragem. Em algumas ocasiões a câmera parece amadora, não conseguindo enquadrar os personagens e não é de propósito, pelo que podemos perceber é que não houve espaço para filmar. Uma cena que podemos perceber isso é a que Edmundo e rei Caspian discutem na gruta sobre quem deve liderar os homens do Peregrino da Alvorada, navio utilizado pelos personagens.

A grande metáfora dos filmes de Nárnia aqui se escancara, o fato de Aslam ser a representação de um personagem bíblico. A magia e mesmo o mistério era que nós fizéssemos essa referencia e não entregar de mão beijada para a plateia.

O filme As Crônicas de Nárnia - A viagem do Peregrino da Alvorada é um filme abaixo da média, simples, sem charme e com uma sequencia final empolgante. A franquia deveria ser enterrada, mas o público a mantém firme e forte. Gostaria de ver uma opinião contrária a minha e tentar perceber com outros olhos as qualidades da série. Filme recomendado para crianças.

Nota: 5,5

Rafael Sanzio

A Pretensão da Pixar

2010-12-24T11:39:00.000-08:00

A empresa de animação Pixar, subordinada à Disney, já começou sua campanha para eleger Toy Story 3 (2010) como melhor filme de 2010. Seu alvo é a estatueta do Oscar, que agora volta com 10 indicações para melhor filme. Em 2009 a animação UP – Altas Aventuras, concorreu ao título. Mas será que um filme de animação pode mesmo receber o prêmio de melhor filme, independente de ser um Oscar ou qualquer outro prêmio? Um filme de animação pode se igualar a um filme de atores reais?

Nenhum filme de animação conseguiu essa façanha no Oscar. Mas devemos sempre analisar com um olhar crítico, vejamos o roteiro e o desenvolvimento da história de um filme de animação. Possui romance, aventura, profundidade em seus personagens, quem pode dizer que WALL-E não têm personalidade só porque é uma animação? Ou que a sequencia da vida de Carl Fredricksen no começo de UP não foi emocionante?

Um filme não é bom só porque tem atores reais e parece com nosso mundo real. Um filme é bom quando nos emociona, quando nos identificamos com os problemas, sentimentos, situações que o personagem vive. A palavra é: identificação. Não importa se é animação, desenho ou atores reais, se nos identificamos e nos emocionamos com a história e personagens o filme é bom. Pode não ser o melhor, pode ser que só foi em uma cena, mas ele conseguiu nos emocionar e está de parabéns.

Eu chorei na morte iminente dos bonecos de Toy Story 3, mas era uma animação como eu poderia racionalmente chorar ali?! Sequer eram atores reais! Mas houve uma identificação com aquele momento, expressões faciais e sentimento transbordando naquela cena. O conformismo com a morte e que estavam todos juntos naquele momento triste. Emocionante. Toy Story 3 trabalha com amadurecimento, perdas e renovação. Bem melhor que muitos filmes de ação por aí.

Toy Story 3 tem características para vencer? Sim. Temos que ver seus concorrentes, mas o importante é conscientizar-se que um filme de animação é um filme com qualidades e força para disputar com filmes de atores reais. E é a Pixar...

A Modinha Crepúsculo

2010-12-03T03:55:00.000-08:00

Recentemente aconteceu as filmagens no Brasil do quarto filme da cine-série Crepúsculo, Amanhecer, com isso a mídia brasileira tenta de todas as formas mostrar o set de filmagem e garantir entrevistas exclusivas dos astros Robert Pattinson e Kristen Stewart. Enquanto isso fãs histéricas gritam em direção de sacadas de hotéis de luxo para vislumbrar seus ídolos. Alguns cinéfilos se perguntam como um filme desses possui tanta fama, enquanto filmes de melhor qualidade não possuem fãs histéricas? Na verdade a resposta é óbvia, mas mesmo assim é de se admirar tanta fascínio por um ator ou por um filme. Mas a despeito de preconceitos, os críticos realmente estão analisando os filmes da saga Crepúsculo? Deixando o fanatismo de lado e o preconceito pelas “modinhas” vamos analisar os três filmes da saga Crepúsculo.

O primeiro filme apareceu timidamente, surgindo como uma adaptação de um livro de Stephenie Meyer, autora relativamente desconhecida que transformou os míticos vampiros em seres com hormônios sobrenaturais presos a paixões adolescentes. O filme Crepúsculo (2008) tinha sua qualidade técnica equiparável ao de um filme produzido para televisão, descompromissado com qualquer narrativa cinematográfica, Crepúsculo foi um passeio ameno pelo o universo da autora, com interpretações empenhadas em transmitir as mesmas expressões e sentimentos descritos no livro. Desde a falta de fôlego de Bella à prisão de ventre, digo, a necessidade de Edward em se controlar ao lado de Bella. Admiradores do mundo vampiresco clássico criticaram arduamente a versão de Meyer dos vampiros, relatando que ela deturpou a imagem do monstro da noite, mas o que a autora fez foi transferir um romance adolescente para um cenário sobrenatural e o sucesso de Crepúsculo está aí, em sua fidelidade em demonstrar o que uma garota adolescente sente ao estar perto do “cara” que pode ser o homem de sua vida.

Com o sucesso estrondoso, os produtores perceberam que deveriam investir mais no filme, transformando sua qualidade para atingir um público maior. E já demonstrando suas pretensões, acrescentou ao lado do título original o nome A Saga Crepúsculo: Lua Nova (2009) então estava aí a certeza que os filmes seriam rentáveis. Independente da qualidade do filme, foi a partir de Lua Nova que para um bom apreciador de cinema, era necessário escolher bem o dia para assistir o filme. Acreditem ou não, tive que assistir Lua Nova duas vezes no cinema e não foi porque eu amei a primeira vez, mas porque meu julgamento foi deturpado pelas condições externas durante a exibição. Não pude escutar a trilha sonora do filme, pois estava imerso a gritarias de fãs a cada 3 minutos de exibição, como em sã consciência alguém poderia julgar um filme dessa forma? Passada essa experiência terrível a segunda vez foi melhor. Aparece as constrangedoras cenas “para gritar”, cientes das fãs histéricas do filme, o diretor nitidamente cria momentos de câmera lenta com Edward caminhando e Jacob, o que isso tem a acrescentar a narrativa do filme? Nada, mas de certa forma é necessário ao apelo dos fãs e tentar conseguir acabar com a explosão de hormônios em cenas pré-determinadas e torcer para que não gritem em cenas mais dramáticas. O que podemos perceber dessa sequência foi a melhoria técnica, a direção de Chris Weitz conseguiu tirar a imagem de filme para TV do primeiro Crepúsculo, os efeitos especiais melhoraram bastante, tirando imediatamente o medo de imaginar que colocariam um lobo normal para representar os “lodisomens”. Um agrado para os não-fãs de Crepúsculo foi o surgimento de “vampiros de verdade”: os Volturi, tornando-se as interpretações que mais se destacaram no longa-mentragem. Porém, o roteiro criou uma mesmice, sai o vampiro entra o transfigurador, mesma premissa “não posso ficar perto de você”, além disso, da mesmo forma que o acréscimo da ação foi bom com os transfiguradores, perdeu em sentido com a luta entre Edward e Félix, além de não existir no livro, Edward lê pensamentos, ele não deveria perder. A Saga Crepúsculo: Lua Nova melhora em técnica, mas não cresce em roteiro, contudo, se firma como sucesso incontestável entre o seu público-alvo: adolescentes sonhadoras.

Então chegamos ao último filme da saga Crepúsculo em exibição, com direção de David Slade, todos já sabem do sucesso garantido do filme. Investe-se em ação O terceiro filme não tem nada de novo para apresentar, virou puro e simplesmente entretenimento, já estamos acostumados com o universo de Crepúsculo, já vimos os lobisomens e já entendemos os Volturi. O terceiro filme é uma passagem, sem momentos marcantes, para a finalização que é o quarto filme. A Saga Crepúsculo: Eclipse (2010) só possui pontos negativos que merecem ser destacados: a mudança da atriz Rachelle Lefevre (Victoria) pela atriz Bryce Dallas Howard, apesar da perceptível intenção de aumentar a carga de interpretação, a personagem perdeu em suas feições o espírito selvagem característico dos vampiros nômades tão bem expostos no primeiro e segundo filmes. Outra péssima adaptação foi a transformação dos vampiros em blocos de mármore, o fato de eles serem duros para os humanos não precisavam literalmente transformá-los em gárgulas ambulantes. De fato, o terceiro filme é esquecível, diferente dos outros dois com suas características próprias e momentos impactantes.

Com isso pessoal o que podemos determinar sobre a saga Crepúsculo? Um filme que não deve ser assistido, mas criticado assim que algum fã histérico mencionar seu nome? Ou ovacionado sem ao menos perceber seus detalhes e técnica? Pois, apesar do sucesso garantido acredito que os diretores querem que o público perceba suas marcas e melhorias que transferiram aos filmes da série. Vamos remover a cegueira de ambos os lados, se quer criticar assista, mas com olhos no filme e não em suas ideologias preconceituosas. Isso que falei vale para os dois lados. Para mim, Crepúsculo é entretenimento, sem mais a acrescentar ou diminuir.

Rafael Sanzio

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1 (Harry Potter and the Deathly Hollows - Part 1)

2010-11-23T08:24:00.000-08:00

“A franquia que sobreviveu”. A série de livros de Harry Potter já chegou ao fim e a série de filmes trilha o mesmo caminho. Diferente de Eragon (2006) ou Percy Jackson e o Ladrão de Raios (2010), os filmes do bruxo de J.K. Rowling fizeram sucesso desde o começo, galgando mais e mais recordes a cada nova edição. E o interessante é a evolução que deu-se nos longas-metragens, tanto na idade dos seus protagonistas que cresceram junto ao seu público como nas próprias adaptações, com a fidelidade extremada de clima e roteiro dos primeiros filmes as licenças poéticas produzidas por cada diretor. Agora, Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 1 (2010) inicia o fim da franquia e prepara bem, sem pressa, o final de uma era.

Na trama, Dumbledore (Michael Gambon) está morto, Voldemort (Ralph Fiennes) é uma realidade e começa seu reinado das trevas. Harry (Daniel Radcliffe), Rony (Rupert Grint) e Hermione (Emma Watson) começam sua jornada para encontrar as Horcruxes, pedaços da alma de Voldemort, se eles conseguirem destruir todas há uma chance do Lorde das Trevas ser derrotado. Enquanto isso, Voldemort procura desesperadamente uma maneira de driblar a ligação entre ele e “o menino que sobreviveu”, para que finalmente ele possa destruir o escolhido.

O que percebe-se pelo filme é a tranqüilidade de David Yates em contar a história do sétimo livro, dividida em duas partes, é notável o cuidado do diretor em transmitir o que se passa na mente dos personagens, angústias, medos e desespero. Ele não tem a preocupação de colocar cada cena vista no livro, ou cada frase, ele teve a preocupação de amarrar cada cena e cada sequencia, tornando-se uma das melhores adaptações do filme do bruxo, não possuindo cortes abruptos ou qualquer sequencia que nos deixe uma lacuna no roteiro.

O sétimo filme não poderia ser diferente dos demais, há a evolução de maturidade da ambiência e estética do longa. A trilha sonora está mais sombria, as cores mais tensas e que causam desolação e desespero dos personagens. A sequencia inicial com Hermione é tocante e triste, conseguindo retirar uma carga emotiva de Emma Watson. Quanto as cenas de ação é interessante analisar a tentativa, em algumas, de torná-las mais reais. Sai os nomes dos feitiços, entra raios destruidores, o que poderia fazer com que imaginássemos pistolas nas mãos dos bruxos e achar que era um filme de policial.

Apesar da curta participação, Bill Nighy como o novo ministro da magia Rufus Scrimgeour marca sua passagem. A narrativa inicial, adicionado com sua interpretação e carisma fazem valer a contribuição do ator inglês no elenco. Outro que se destaca é Peter Mullan que interpreta o bruxo das trevas Yaxley, suas feições fortes e maldade exprimida nos olhos tornam a sequencia da invasão do Ministério da Magia ainda melhor e com o título de melhor sequencia de ação do filme. A atriz Imelda Staunton como Umbridge absorveu o papel de forma assustadora. É legal o que o roteiro proporciona, a poção polissuco que transforma o usuário em uma outra pessoa dá uma chance muito divertida a atores “figurantes” que em outros filmes não teriam a mesma chance. Como aconteceu em Harry Potter e a Câmara Secreta (2002) com o destaque para Crabbe e Goyle, aqui três personagens desconhecidos se destacam com suas expressões e trejeitos dos protagonistas. Isso poderia ter sido mudado caso o diretor escolhesse mostrar apenas os atores principais e num jogo de câmera descartar as atuações dos figurantes. Ainda bem que não fizeram isso e optaram por ensaiar bem as interpretações dos coadjuvantes.

Mas enquanto aos principais? Acredito que em relação a atuações destacam-se os papeis menores, mas é nítido a melhora dos nossos três protagonistas. Já Ralph Fiennes embarcou em uma interpretação teatral demais para Voldemort, tão teatral que fica difícil achar que seus seguidores realmente precisam ter medo dele. É mais fácil temer Yaxley ou Nagini, cobra de estimação do Lorde das Trevas.

Mas nem tudo são flores no sétimo filme. Apesar dos efeitos especiais estarem bons, o filme peca em exagerar nas cenas do acampamento. No livro, os personagens sofrem com a falta de ação que é esperar o momento para agir e David Yates conseguiu passar essa sensação para nós. As cenas emotivas ou solução de enigmas são artificiais demais ou não fortes o suficiente para que compensassem a falta de ação e extensão da sequencia do acampamento. Essa extensão poderia ser reduzida para mostrar cenas que não estão no livro, como mortes de personagens que foram apenas citadas na trama, perdeu-se a oportunidade de mostrar o que houve, sob o aval da autora e assim apresentar algo de novo ao público.

Contudo, poucos contras afetam o desempenho de Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 1. A primeira parte do desfecho da séria capta vários momentos interessantes do livro, possui uma direção envolvente e caprichada. Um ótimo preparador para o final da série, que aposto em uma coisa: o duelo de Voldemort e Harry Potter vai ser bem melhor do que o do livro.

Nota: 8

Rafael Sanzio

A Origem (Inception)

2010-11-22T13:12:00.000-08:00

Antes de começar a crítica é preciso esclarecer um termo utilizado entre os cinéfilos e é muito importante que àqueles que desconhecem a palavra saibam seu significado para não serem pegos de surpresa. O termo ao qual me refiro é “SPOILER” esta palavra quando antecede algum texto sobre um filme alerta que as informações a seguir contem detalhes da trama do filme que talvez você não queira saber se ainda não o assistiu. Ou seja, caso veja esta palavra, pense duas vezes antes de continuar a ler, da mesma forma que é importante você colocar a palavra spoiler bem nítido no começo de qualquer texto que vá contar detalhes específicos dos filmes, os cinéfilos agradecem.

O filme A Origem (2010) parte da interessante ideia de um mundo onde as pessoas podem invadir os sonhos e roubarem segredos de suas vítimas. Temos a sensação de estarmos em um filme de Matrix, sem as excessivas pancadarias e de certa forma mais real. Christopher Nolan já se firmou como um diretor criativo, capaz de realizar filmes com roteiros bem amarrados e tramas envolventes.

A história acompanha Cobb (Leonardo DiCaprio), um ladrão de sonhos que tenta desesperadamente encontrar uma forma de voltar aos EUA sem ser preso devido a uma acusação por homicídio. A oportunidade aparece quando um empresário japonês Saito (Ken Watanabe) propõe uma troca, que Cobb consiga implantar uma ideia na mente Richard Fischer (Cillian Murphy) herdeiro das empresas Fischer, caso seja bem sucedido nessa tarefa impossível para os especialistas da área, Saito irá ajudá-lo a voltar para os Estados Unidos. Cabe a Cobb reunir uma equipe talentosa para realizar esse feito.

A sensação e comparação com o filme Matrix (1999) é constante. Pois Nolan reitera no seu roteiro acerca do que é real e o que é uma ilusão. Contudo, há maior liberdade no mundo dos sonhos do que da Matrix. As modificações na geografia do mundo estão a mercê do Arquiteto, sujeito criador do sonho no qual os outros foram inseridos. Graças a essa trama, a estética do filme fica interessante com as possibilidades conferidas, a mudança de cenário, a destruição do ambiente por parte de fatores externos, a gravidade zero entre outras idéias criativas para assimilação da influencia externa nos nossos sonhos.

O que faz uma ideia dessa funcionar é com quanto de naturalidade você apresenta para o público. Christopher Nolan decide jogar o público no mundo de A Origem sem sabermos de como funciona as regras do jogo, ficamos perdidos, mas presos a tentar entender o que se passa e as conseqüências de cada ato dos personagens na trama. Porém, didaticamente Nolan insere o que podemos chamar de “aprendiz”, personagem que está entrando agora no mundo desconhecido e que vai ter a tutela do protagonista ou de outro personagem e enquanto aprende as regras o público finalmente fica ciente das regras daquele universo fílmico. Esse papel cabe a personagem de Ariadne (Ellen Page).

Em um mundo dos sonhos existem cortes rápidos que nos fazem pular de uma cena para outra, esse detalhe é alertado no filme, mas como na maioria dos longas-metragens, o filme também possui cortes de uma cena para outra, então como saber se o que está acontecendo é um sonho ou não? Essa é uma das brincadeiras feitas por Nolan para embaralhar a mente do público. As cenas de ação no filme merecem destaque, principalmente a tão falada luta em gravidade zero.

Em termos de interpretação Tom Hardy (Eames) rouba a cena, Leonardo DiCaprio não apresenta nada de novo e fica muito parecido com sua interpretação raivosa de Ilha do Medo (2010). Os demais atores trabalham com naturalidade, formando uma equipe dinâmica e carismática, o que nos faz torcer para que A Origem não seja aquele típico filme de equipe, no qual cada membro vai morrendo em um determinado ponto da trama.

A Origem é um filme de ação com trama envolvente e momentos originais. Christopher Nolan consegue criar mais um filme que fica na mente das pessoas mesmo ao final da sessão, até acabar a semana. Realizador de Amnésia (2001), O Grande Truque (2006) e Batman – O Cavaleiro das Trevas (2008), qual será o próximo sucesso do diretor?

- SPOILER – O tão falado final de A Origem não passa de uma brincadeira do diretor para pegar os adoradores de tramas conspiratórias. O final com o peão girando, podemos perceber uma mudança no som, nítida de um peão quando pára de girar. Podem até falar da coincidência das crianças usarem a mesmas roupas da visão de Cobbs, mas conseguir a façanha de entrar em um sonho, depois no outro e depois no outro é demais. Pode ser que ao sair do aeroporto ele foi pego pelos homens de Saito e induzido ao sono. Mas quem seria o Arquiteto a se dispor de horas de sono com ele? O pai poderia fazer isso, mas ele mesmo não queria que Cobb vivesse em uma ilusão. Bem prefiro ser da turma dos otimistas e que ele conseguiu voltar para casa. Mas a intenção de Nolan foi essa com aquele final, propagar a discussão do que é real e imaginário.

Nota: 9,5

Rafael Sanzio

A Ilha dos Mortos (Survival of the Dead)

2010-11-12T06:16:00.000-08:00

Eu era fã de George A. Romero, mais conhecido como o mestre dos filmes de mortos-vivos, desde minha infância eu possuía um medo dos filmes com os famigerados zumbis. O que hoje tornou-se um apreço em assistir filmes desse tipo, mesmo com situações similares, com os personagens tentando sobreviver a calamidade apocalíptica. Mas parece que George perdeu o jeito e nos concedeu não um filme de terror, mas uma comédia de terror.

Na trama duas famílias rivais disputam o poder na Ilha Plum, de um lado os O’Flynn que acreditam que um zumbi bom é um zumbi morto, enquanto que os Muldoon optam por querer reeducar os mortos-vivos para mantê-los “vivos” até que surja uma cura. No embate, Patrick O’Flynn (Kenneth Welsh) é expulso da ilha e tenta sobreviver fora dela, até que surge a oportunidade de voltar com o encontro com mercenários dispostos a expulsar os Muldoon da ilha.

A interessante premissa dava indícios que poderiam surgir uma boa história, com esse conflito novo de querer manter os entes queridos e outros querendo estourar os seus miolos. Mas o problema do filme é a falta de seriedade que ele se trata, jogando no lixo qualquer pretensão de susto, terror ou crítica social.

Romero investe nos efeitos especiais que realmente são trash nesse filme, utilizando-os para mostrar “novas maneiras de se matar um zumbi”, mas visualmente ficaram de má qualidade. A trilha sonora é infantil e não induz em nenhum momento ao medo ou a tensão, apenas a comédia. Que nem isso é engraçado.

Infelizmente George A. Romero tentou ser engraçado, rendeu-se aos efeitos especiais digitais ruins e pensou estar competindo com filmes como Zumbilândia (2009). Se o diretor clássico de zumbis não voltar para suas origens, ou ao menos manter-se fiel a concepção dramática de Terra dos Mortos (2005) e Diário dos Mortos (2007), a Era Romero terá um fim. E um viva para The Walking Dead na Fox!

Rafael Sanzio

Nota: 3

Tropa de Elite 2 - Recomendo!

2010-10-25T06:16:00.000-07:00

O que fez o filme Tropa de Elite (2007) um sucesso? A violência? O personagem Capitão Nascimento? Ou o estilo de contar a história? Digamos que foram os três fatores citados. O ponto de vista da polícia derrotando os bandidos no melhor estilo da brincadeira “polícia e ladrão”, a personalidade forte de Capitão Nascimento transformando-se no nosso Chuck Norris e o estilo do filme e parecido com os filmes americanos de ação.

Nesta seqüência, Capitão Nascimento (Wagner Moura) agora é tenente-coronel, devido a sua competência consegue chegar a uma posição que nenhum caveira tinha chegado, ao de sub-secretário de segurança. Mais perto do poder, Nascimento acredita que poderá por um fim na violência que assola o Rio de Janeiro, mas logo vai perceber que o problema não são os traficantes, mas o próprio sistema que controla a cidade.

Devido ao sucesso do primeiro filme era de se acreditar que o diretor José Padilha enveredasse para a mesma linha de raciocínio do primeiro, muito tiroteio e voz off A narração de Nascimento continua, com seus comentários ácidos sobre sua visão de mundo, mas o diretor segue audaciosamente uma linha diferente. Tropa de Elite 2 (2010) não é um filme que se sustenta em sua violência, mas no personagem de Wagner Moura. Há momentos de dramas familiares, patrulhas do BOPE e a dura realidade desse novo vilão chamado politicagem, que nos angustia mais que um grupo de traficantes atacando os protagonistas.

O roteiro toma cuidado para não fazer apologia a violência, tanto que Nascimento mantém sua opinião sobre os intelectuais filhinhos de papai, contudo, o personagem Fraga (Irandhir Santos) é bem mais complexo do que uma definição como “político idealista”. Matias (André Ramiro) torna-se mais amargo, mediante o caminho que seguiu para se tornar Capitão, já o tenente-coronel Nascimento cada vez mais entra em depressão, afundando no abismo que é a vida sem um propósito definido, a vida recheada e cercada por violência.

As adições para o elenco destacam-se o André Mattos como o deputado Fortunato, trazendo sua veia cômica e “homenageando” nossos apresentadores sensacionalistas. O filme perde-se um pouco quando se mantém por tempo demais em cenas do deputado apresentando o programa, é engraçado, mas o ritmo desenvolvido vai esfriando até retomar a força na cena seguinte. O antagonista Major Rocha (Sandro Rocha) consegue ser bem mais perigoso visualmente e presencialmente do que o vilão Baiano do primeiro.

O estilo de direção liberta-se um pouco mais, temos a presença de câmera lenta, surpresas proporcionadas pelo simples ângulo de câmera e flashfowards falsos. Esse último provocando agradáveis surpresas e uma dinâmica divertida com o público desatento. Para um fã de ação vale um aviso, Tropa de Elite 2 tem menos ação, mas não é menos interessante. Apesar de que, se analisarmos bem, repete-se ações do primeiro, como Nascimento se motivar para ação apenas quando perde algo importante.

Conseguindo manter em segredo o filme até sua estréia, Tropa de Elite 2 atualmente já está nas piratarias que, de certa forma, fizeram seu sucesso, mas não lucro. Com essa seqüência José Padilha demonstra que franquia Tropa de Elite não é apenas um filme de ação, mas um canal para uma crítica a nossa política atual e uma resposta dos brasileiros mostrando o que queriam fazer com políticos corruptos, quem não se imaginou no lugar de Nascimento ao aplicar aqueles socos no político safado?

Nota: 9

Rafael Sanzio

Resident Evil 4: Recomeço - 3D

2010-09-25T05:46:00.000-07:00

O que devemos ter consciência é que a franquia do cinema de Resident Evil não é fiel a série de jogos da Capcom. Paul W.S. Anderson criou uma personalidade própria ao filme, com alguns elementos dos jogos que podemos chamar de “homenagens” ou também uma apropriação dos personagens. Resident Evil 4: Recomeço (2010) tem mesmo a intenção de recomeçar a série de filmes, afastando da visão megalomaníaca de fim de mundo desértico abordado no terceiro filme. Muito acertadamente retoma ao clima urbano e elementos da série nos vídeo games, aliado ao 3D e ótimos efeitos especiais torna-se um filme divertido a despeito das críticas ao roteiro.

A história acompanha Alice (Milla Jovovich) na sua jornada contra a Empresa Umbrella Corporation causadora de todo caos que acontece no mundo e do seu atual presidente, Albert Wesker (Shawn Roberts). Após a batalha Alice busca os sobreviventes da devastação zumbi, em especial o grupo de amigos, entre eles Claire Redfield (Ali Larter).

O diretor e roteirista Paul W.S. Anderson investe mais em estilo do que na história. A trama é bastante simples e rasa, com a busca de Alice e os momentos de ação. Tanto é que os personagens possuem poucas falas além daquelas pré-existentes em um filme de zumbis, as cenas com longas falas são os monólogos de Alice no início, mas é tão batido o diário de bordo que torna-se cansativo e desnecessário. Retirando a seqüência de ação inicial lembrando descaradamente o filme Matrix (1999), as demais seqüências são empolgantes a exemplo da batalha entre Wesker e os irmãos Redfield. O uso do 3D não é exagerado e os efeitos especiais em sua maioria são de ótima qualidade.

O diretor diminui no roteiro o excesso de poder dado a Alice e a dimensão destrutiva causada pelo 3º filme, o que realmente adquire pontos ao estilo do longa metragem voltando aos momentos claustrofóbicos, suspense e situações típicas de filme de morto-vivos, com os dilemas de sobrevivência. Há uma nova turma de coadjuvantes que tentam conquistar o público para que não representem apenas “personagens que vão morrer”.

Os aficionados pelos jogos podem reclamar, mas o clima do novo filme remete aos jogos da série, isso quem diz é um jogador da série Residente Evil! Personagens como o monstro do machado, o próprio Wesker, Chris Redfield e Claire Redfield, são transportados apenas com o estilo visual e outros só com o nome. O grupo de sobreviventes lembra muito o jogo Left 4 Dead (XBOX 360) , é preciso perceber com calma se há a sensação de jogo de vídeo game, não apenas criticar os personagens que não foram transpostos com fidelidade para a película.

Milla Jovovich volta disposta a encarar lutas e tiroteios, já encarnando a personagem com naturalidade ou absorvendo o que tem de profundo na personalidade de Alice para transpor. Já o ator Wentworth Miller (Chris Redfield) força uma atuação caricata de machão que devemos desconfiar. Eu não sei o que acontece com Miller, mas que tipo de atuação é aquela? Ele estava brincando ou realmente o personagem não tinha nada para desenvolver? Já Shawn Roberts (Albert Wesker) atua como uma versão jovial de Arnold Schwarzenegger em O Exterminador do Futuro, mas não difere tanto de sua representação nos games.

Resident Evil 4: Recomeço tem seu ritmo definido pela ação, o filme torna-se divertido mediante o uso do 3D, sem ele o roteiro destaca-se mais e talvez a ida ao cinema não seja tão recompensadora. A franquia ganha novo fôlego e retoma o clima dos vídeo games!

Obs: Fiquem um pouco mais durante a exibição dos créditos, há uma cena extra. Quem se lembra de Resident Evil 2 vai ter um impacto maior com ela.

Nota: 7

Rafael Sanzio

Criação

2010-09-17T07:29:00.000-07:00

A Origem das Espécies foi um marco para a ciência, graças a Charles Darwin foi comprovado por meios científicos a evolução das espécies caracterizando-se por uma batalha pela sobrevivência onde o mais forte passava para a próxima geração. Mas criar esse livro foi uma tarefa fácil para o cientista? Será que sua força também foi testada a ponte de ver se ele teria força de vontade para concluir uma obra tão polemica? O filme Criação (2009) baseado no livro Annie’s Box de Randal Keynes retrata os momentos da vida de Charles Darwin no processo de criação de seu famoso livro A Origem das Espécies. Com uma direção cuidadosa de Jon Amiel o filme torna-se em uma obra delicada e reflexiva, transportando-se com naturalidade para aquela época e os conflitos morais que uma publicação como esta acarretaria dentro da família do cientista.

Na trama, Charles Darwin (Paul Bettany) continua em sua incessante pesquisa para o desenvolvimento de seu livro sobre a evolução das espécies, porém, sofre com a pressão exercida pelos seus colegas que buscam a vitória contra a religião e a publicação imediata do livro. Enquanto que percebe que sua família começa a se desestruturar por seu distanciamento provocado pela concentração única no trabalho. Em meio a tudo isso o cientista enfrenta uma doença que abala sua saúde física e mental, seria a causa o excesso de trabalho ou uma punição de Deus?

O que percebemos logo de início é o objetivo de separar a ciência da religião. Como em uma guerra onde Darwin está no meio, de um lado o cético Thomas Huxley (Toby Jones) agressivo em suas afirmações pelo fato de Darwin ter matado Deus e do outro lado Emma Darwin (Jennifer Connelly) a religiosa esposa de Charles Darwin que teme a separação eterna entre ela e o marido caso ele publique o profano livro. O que naquela época era preciso separar por causa do forte preconceito, hoje a religião e a ciência podem ser interligadas, ao menos na conceituação de “fé”. Mas o que podemos interpretar pelo roteiro é que o ódio dos céticos está muito mais nos dogmas da Igreja do que em Deus, apesar deles enfatizarem o nome Dele.

O longa metragem possui 108 minutos de duração, mas parece ter mais mediante a quantidade de detalhes e a história envolvente. O uso de flashbacks e simulações durante as narrações de Darwin produzem uma dinâmica que torna o filme menos cansativo em comparação se tivessem usado apenas a trama principal focada no momento presente do cientista. O que vale parabenizar o diretor Jon Amiel pelas seqüências dos delírios e sonhos de Charles Darwin, que possuem muitos símbolos que são difíceis de reconhecê-los assistindo a obra apenas uma vez. É criada essa contradição em estar falando sobre um homem racional e ser desenvolvida essas seqüências tão poéticas, como também vista na cena do ciclo da vida onde mostra o pássaro alimentando-se do verme, mas no final o filhote do pássaro alimentará outros vermes.

Desconheço o orçamento da produção, mas o trabalho de figurino de Louise Stjernsward e a cenografia de Laurence Dorman estão excelentes, somos transportados para o século XVIII com naturalidade. Esta naturalidade também provém da trilha sonora de Christopher Young, filmes de época quase sempre conseguem transmitir o requinte e aparente civilidade com sua trilha sonora.

O elenco de Criação merece destaque, Paul Bettany transfere bem para si o dilema de Charles Darwin em estar do lado da ciência e perceber que vai contra a sociedade com a fé cega que obedece sem questionar. No trailer podemos interpretar a personagem de Jennifer Connelly como a beata incurável, mas não, a interpretação de Connelly nos faz questionar os verdadeiros motivos de Emma por estar contra as ações do marido. Não é a religião, mas sim o amor dela pelo marido e a tentativa de manter a família unida que a fez ter a religião como suporte a tentar manter Darwin ao lado da Igreja. A atriz Martha West (Annie) demonstra com facilidade a maturidade que sua personagem tem para a idade, apesar de se render ao seu lado infantil em certos momentos.

Com momentos tenros e reflexivos, Criação é um filme produzido com todo respeito a obra e vida do cientista Charles Darwin. Seus conflitos são mostrados sem exageros com a interpretação dedicada de Paul Bettany, sem realmente demonstrar em que lado Darwin ficou. Com interseções de tramas paralelas, histórias contadas por Darwin para explanar o ciclo da vida, o longa metragem ganha em drama e sensibilidade, não dá para não ficar emocionado com o final da história de Jenny.

Errado em sua teoria ou não, Charles Darwin marcou a história científica do mundo com seu livro e o filme Criação respeita a representação deste homem mostrando suas qualidades e defeitos. Uma biografia humanizada que deve ser apreciada pelos interessados no assunto.

Nota: 9

Rafael Sanzio

O Psicólogo

2010-09-08T08:00:00.001-07:00

Existem filmes que vão direto para DVD não tendo forças suficientes para embarcar em uma temporada nas salas de cinema. Isso acontece porque a distribuidora acha que o filme em questão não vai atrair o grande público. Esse fato define o filme como uma obra ruim? Não. É o caso do filme O Psicólogo (2009), apesar de concordar que o longa-metragem não faria uma boa bilheteria ele é um bom filme para se assistir em casa com a família oferecendo-nos Kevin Spacey como protagonista.

O filme mostra a vida de Henry Carter (Kevin Spacey) psicólogo de estrelas de Hollywood que precisa enfrentar a perda da esposa. Como um tipo de terapia, o pai de Henry (Robert Loggia) resolve passar uma paciente “normal” para o psicólogo. Com esse novo tipo de paciente Carter vai perceber se ainda pode curar pessoas ou não.

Seguindo a mesma estrutura narrativa de filmes como Crash (2004), Simplesmente Amor (2003) e Banquete do Amor (2008), o longa-metragem do diretor Jonas Pate nos fornece uma quantidade considerável de personagens que estão ligados de uma maneira ou de outra ao psicólogo do título. O fato de ter vários personagens propõe uma dinâmica na narrativa, mas sofre na superficialidade com que é tratada cada história individual.

Graças a atuação de Kevin Spacey seu personagem não sofre com a superficialidade narrativa, o ator de Beleza Americana consegue transmitir o vazio que o psicólogo sente com a perda da mulher, mesmo que talvez seja considerado fácil interpretar um “chapado”. Robin Williams faz uma participação na filme e continua na sua tentativa de interpretar personagens adultos e verossímeis.

O tom do filme é melancólico e letárgico, entrando em sintonia com a tristeza e torpor ao qual Henry Carter está, podemos perceber isso com os ângulos de câmera quase nunca fixos. O que surpreende no filme é seu otimismo no desfecho da trama, talvez para paralelizar com as histórias tristes que descambam para a tragédia, mas acreditar na bondade geral de astros de Hollywood problemáticos, só em um filme sobre um psicólogo.

O longa mostra que psicólogos são tão problemáticos quanto seus pacientes, afinal, são humanos como nós. O que difere um bom psicólogo de um ruim é que ele tenta enfrentar seus problemas ao invés de construir a ilusão de que nada pode atingi-lo.

Nota: 8,5

Rafael Sanzio

O Casamento de Rachel

2010-08-06T04:35:00.000-07:00

O Casamento de Rachel (2008) foi uma inspiração do diretor Jonathan Demme (Silêncio dos Inocentes) em fazer um filme independente, longe dos grandes orçamentos de Hollywood. O produto final envolve o público na trama dos personagens e na participação de um casamento.

Kym (Anne Hathaway) é uma alcoólatra que nos últimos meses ficou em uma clínica mediante uma imposição do juiz como cumprimento de pena por dirigir bêbada e bater com o carro. Com o casamento de sua irmã Rachel (Rosemarie DeWitt), Kym é liberada para participar da comemoração. O que se segue é uma demonstração de uma série de traumas que envolvem a família e demonstra o quão prejudicial pode ser uma família que não saiba lidar com tragédias pessoais.

Anne Hathaway está bastante confortável no papel, Kym tem defeitos, mas o importante é percebemos que nenhum personagem ali merece a santificação por estar ao lado dela. A protagonista não é a vilã, demonstra tendências parasitárias, mas não é fria, demonstra ainda expressões diante de cenas emocionantes. Bill Irwin concede ao personagem Paul uma ternura de um pai preocupado em manter unida a família e o equilíbrio de atenção entre as duas filhas.

O diretor acertou ao escolher o uso da câmera subjetiva para dar um ar de filmagem caseira. Esse elemento fílmico do cotidiano oferece uma liberdade ao diretor, as câmeras, com exceção da cena inicial, podem ser julgadas como câmeras de pessoas que estão filmando o casamento. Em algumas seqüências vemos outras câmeras filmando por outros ângulos, mas isso não é considerado um erro pois os câmeras viraram personagens. Outro ponto que pode chamar a atenção são pessoas carregando vários microfones, como na seqüência do ensaio do jantar, ali percebe-se que os microfones estão sendo utilizados para captar as vozes dos outros atores enquanto o principal está com um microfone próprio.

Outra solução do diretor foi o uso da música direta, como Hitchcock, toda a trilha do filme participa da ação da trama, essa idéia tem ajuda do fato que o personagem do pai foi um músico conhecido e cheio de amigos. Portanto, a casa da família está cheia de músicos ensaiando, tocando e se divertindo. Jonathan Demme colocou uma banda para tocar em partes da casa enquanto havia cenas sendo rodadas em outros cômodos. A trilha sonora foi uma criação simultânea aos acontecimentos da história.

O grande problema do filme combina com o problema da trama, a disputa de atenção entre Rachel e Kym. O diretor não sabe se dá atenção ao casamento ou a todo desenrolar da história de Kym e seus problemas familiares, um acontecimento quebra o ritmo do outro. Quando o problema da protagonista chega ao clímax, é colocado takes longos dos preparativos do casamento, isso acontece muito perto do final. O diretor se excede ao querer mostrar todo o casamento, então ficamos lá, não suportando ver a festa e dança pois queremos saber o que acontece no final do processo de redenção familiar.

O Casamento de Rachel possui uma ótima atuação de Anne Hathaway, dá uma perspectiva cotidiana dos bastidores de um casamento integrando o público dentro dessa comemoração, além de ter um bom roteiro com interpretações realistas. Mas se você for daqueles que acham a festa de casamento um tédio é possível que você não agüente o filme até o final.

Nota: 8,5

Rafael Sanzio

Especial Fúria de Titãs: Crítica de Fúria de Titãs (2010)

2010-06-03T20:13:00.000-07:00

Fúria de Titãs (2010) só toma emprestado do original apenas a trajetória de Perseu e algumas referencias de nomes, de resto é uma verdadeira deturpação da mitologia grega. Louis Leterrier e os roteiristas Travis Beacham, Phil Hay e Matt Manfredi apropriaram-se dos mitos e monstros das lendas gregas e criaram um mundo que se encaixa perfeitamente nos planos de construção de uma seqüência.

Na trama Perseu (Sam Worthington) é um jovem que foi abandonado e encontrado por um pescador. Enquanto crescia, os humanos cada vez mais se revoltam com os Deuses que devem adorar. Até chegar ao ponto de declarar-se guerra contra as divindades do Olimpo. Contudo, para punir os humanos, Zeus (Liam Neeson) decretou a destruição de Argos pelo poderoso monstro Kraken, filho de Hades (Ralph Fiennes). O destino faz com que Perseu comande um grupo de soldados para encontrar uma arma poderosa o bastante para destruir o Titã.

O ponto principal nesse Fúria de Titãs é a visão antropocêntrica da história. Aqui o contexto histórico é o fim da adoração aos Deuses, com humanos deixando de orar e fazer sacrifícios. O fato dos Deuses dependerem das orações para aumentar ou diminuir seus poderes é coerente para a explicação do desaparecimento dos Deuses gregos na atualidade. Porém, essa mania de Hollywood em transformar Hades em um tipo de diabo irrita por jogar a relação dos Deuses para a banalização maniqueísta tão presente em filmes de aventura básicos. Outra modificação imprudente foi o exagero de poder concedido ao Kraken, dizer que foi ele que derrotou os titãs é no mínimo dar uma expectativa grande ao público para uma batalha épica.

Os roteiristas também fazem uma mistura de culturas nesse novo mundo grego. Colocando assim soldados gregos juntos de Djins (gênios árabes). Tudo parte de um plano de Leterrier para constituir uma franquia.

O que foi deixado claro pela equipe é que Fúria de Titãs é um filme pipoca, um filme com muita ação e efeitos especiais. Mas mesmo afirmando isso o filme não está livre de críticas ao roteiro. O roteiro é raso, com diálogos clichês e desenvolvimento da aventura básica, com personagens também típicos de um filme de ação mediano.Ao menos os soldados possuem personalidade suficiente para serem lembrados durante o desenrolar da trama.

Com a visão antropocêntrica Perseu age de forma rebelde, sempre deixando claro que recusa seu lado divino. Essa concepção foi defendida por Sam e o diretor por passar, segundo eles, uma boa mensagem para as crianças de hoje: “se existir obstáculos na sua vida vença-os acreditando em si mesmo, não espere milagres”.

As atuações estão mecânicas e normais para um filme pipoca. Soldados estereotipados e Sam Worthington interpretando um herói revoltado sem mais nada para passar. A personagem de Gemma Arterton (Io) exagera no ar etéreo de sua história, fazendo com que sempre em suas cenas pareça distante de uma interpretação convincente. Liam Neeson não traz nada de novo a não ser um Zeus raivoso e Ralph apesar de fazer um Hades contrário da crença grega, esforça-se para deixar marcada a sua passagem no filme.

Como era de se esperar desse remake sua maior contribuição foi os efeitos especiais e criação estética visual mais caprichada do mundo grego. Ele ganha pontos com os monstros mitológicos, como a medusa, kraken e escorpiões. Mas ao criar os djins destoa do conceito mitológico grego. Ao vermos os Deuses do Olimpo, não encarem como ofensa, podemos sonhar que realmente cavaleiros do zodíaco pode ser adaptado de forma correta. Quanto ao figurino cai-se na falta de uso dos elmos dos soldados, tudo para mostrar os rostos dos atores. Além disso, pode ser interpretado como preconceito os fanáticos religiosos da história sejam aqueles com figurinos parecidos com indianos.

Fúria de Titãs consegue ser um filme de ação mediano com boas seqüências de luta com destaque para a luta contra medusa. Sua duração de 118 minutos é suficiente para o passeio no novo mundo grego “Leterriano”, o público de épicos ficou mal acostumado com filmes com mais de duas horas de duração.

Ao final do filme aqueles que conhecem o mito vão perceber a nítida mudança do fim de Perseu, mas é evidente, porque descansar se estamos na era das franquias?

Nota: 6

Rafael Sanzio

Especial Fúria de Titãs: Crítica de Fúria de Titãs (1981)

2010-06-03T19:47:00.000-07:00

Com algumas licenças de adaptação da lenda grega de Perseu, foi criado um clássico da aventura com os efeitos especiais de Ray Harryhausen. Com uma trama simples, Fúria de Titãs dá vida a lenda de Perseu e ficou impregnada na mente de muitos fãs até hoje.

A história segue a vida de Perseu (Harry Hamlin), filho de Zeus (Laurence Olivier) com uma humana, que fica sob a proteção do pai até a maior idade. Contudo, quando o filho da Deusa Tétis (Maggie Smith) é punido por Zeus, a Deusa começa a vingança aos orgulhos humanos e ao protegido Perseu, colocando o herói no caminho de uma grande aventura para salvar a princesa Andrômeda (Ursala Andress) do sacrifício para acalmar o Titã Kraken.

O que se pode perceber pela história é que os Deuses são mais humanizados nesta versão, colocando diante de nós seres tão invejosos, vingativos e impulsivos quanto os humanos que controlam. Isso é nítido na seqüência inicial onde Zeus decide destruir uma cidade inteira pelos atos de um rei. Com a liberdade criada para estruturar a narrativa da lenda fragmentada de Perseu, o roteiro criou um elo maior entre Andrômeda e Perseu, além de apresentar o personagem Calibos (Neil McCarthy) para mostrar os destinos contrários de dois filhos dos Deuses. Um dos pontos fracos do filme é a coruja robótica Bubo, uma clara influencia de se criar um coadjuvante tão cativante quanto foi R2D2 em Star Wars (1977), a coruja é uma criação mecânica de Hefesto e fala por bipes!

Ainda referente a história, Perseu segue a linha do filho independente e corajoso. A época grega retratada aqui é o começo da era dos heróis mitológicos, os Deuses são temidos e adorados, não a revolta contra o divino e sim aceitação dos comandos e desmandos do Olimpo. Esse contexto transforma o Perseu mais apto a aceitar os presentes advindos dos Deuses e sua motivação é o amor que sente por Andrômeda.

A interpretação de Harry Hamlin é precária, reservando-se apenas a expressões vazias e exigências físicas. Muitas atuações são teatrais, principalmente do rei Acrísio. Destaque apenas para Burgess Meredith (Ammon) que serve de suporte para Perseu em sua jornada e ainda a performance de Flora Robson, Anna Manahan e Freda Jackson que interpretam as três bruxas.

O nome de Ray Harryhausen é a referência para efeitos especiais da época, ele que influenciou muitos cineastas famosos hoje como Steven Spielberg, James Cameron e George Lucas. Por mais que estejamos acostumados aos CGs atuais, para quem tem respeito pelo trabalho e um pouco de nostalgia o spot-motion de Ray confere uma simpatia mesmo hoje. Uma curiosidade é que o Kraken era originalmente um dragão de nome Leviatã, mas Ray optou por criar um ser de quatro braços e com um nome, ao seu ver, mais ameaçador.

Fúria de Titãs (1981) é um clássico da aventura, juntando-se as obras de Ray como Jasão e Sinbad, com um pouco mais de respeito a mitologia no qual se apropria.

Nota: 8

Rafael Sanzio

Especial Fúria de Titãs: Por que não comparar?

2010-06-03T19:43:00.000-07:00

A ideia de não fazer comparações entre os dois filmes vêm do simples fato de ao escrever o texto não precisar ficar indo e voltando entre um filme e o outro. É evidente que os dois longas metragens criaram suas licenças referentes a lenda de Perseu, um mais que o outro. Mas o que faço aqui é apresentar a história de Perseu e críticas separadas de cada um dos filmes.

Não é uma briga entre os dois, precisamos ver o contexto e se realmente cada um fez o certo em seu próprio tempo. Como sempre, apresento minha opinião e vocês que decidem.