O Curioso Caso de Benjamin Button - Recomendo!

Indicado à 13 Oscar, O Curioso Caso de Benjamin Button (2008) tem grandes chances de levar o Oscar de melhor filme e melhor maquiagem. Baseado no conto de F. Scott Fitzgerald, o filme possui um roteiro cativante, além da direção inspirada de David Fincher (Se7en).

A história acompanha a vida de Benjamin Button, que nasceu com os sintomas de uma pessoa idosa, mas curiosamente, passa-se os anos e o jovem/velho Benjamin Button começa a rejuvenescer. O filme é uma longa jornada pela vida do protagonista, mas não é cansativo, pois o personagem cativa o público que espera ansiosamente pelas novas aventuras ou o desfecho que esse exemplo de vida vai passar.

Compara-se o filme de David Fincher com Forrest Gump - O Contador de Histórias (1994), de certo modo há uma mesma estrutura. A do contador de histórias, uma vida sendo destrinchada, momentos lúdicos dessa vida como também a presença de diversos personagens com exemplos de como viver esta vida, situações inusitadas. Mas as semelhanças param por aí, são tramas diferentes, o filme de Tom Hanks possui mais humor, apesar de que Benjamin Button também utilizar-se deles, mas não há como acusá-lo de qualquer tipo de plágio. Além do mais, o diretor nos presenteia com seqüências criativas como o discurso do relojoeiro enquanto imagens de jovens na guerra retrocedem no tempo, ou a seqüência do tempo onde tudo poderia ser diferente por causa de poucos minutos.

A maquiagem do filme merece aplausos, principalmente a inicial do protagonista. Brad Pitt está irreconhecível. Como também a maquiagem de Cate Blanchett, quando a sua personagem se encontra em estado terminal, única maquiagem que ficou falsa como uma massa de modelar mal-feita foi a dessa mesma personagem quando está na faixa de 50 ou 60 anos. Além da veracidade transmitida pela maquiagem, ela dá outra vantagem que é a melhora da atuação, Brad Pitt cria uma criança velha, que apesar da aparência possui olhares de inocência e aquele morder de lábios de uma criança que arrisca a conhecer o mundo. O problema é quando retira-se a maquiagem e vemos no ator o sua expressão habitual de “bico” proeminente e seu olhar de cão abandonado.

O tempo é o grande conflito do filme, com o relojoeiro alertando do tempo desperdiçado dos jovens na guerra. O que fazer com o tempo que é oferecido para nós nesta vida? Precisamos aproveitá-la , conhecer o mundo e se errar ou se arrepender de algo que fez, não ter medo de recomeçar. Existem bilhões de outras vidas para serem conhecidas, não fomos criados para viver na eterna solidão e nem nos excluirmos por nossas diferenças. O Curioso Caso de Benjamin Button é uma lição de vida e um grande filme.

Nota: 9,5

Rafael Sanzio

Na Mira do Chefe

Quando Colin Farrell interpreta personagens sem escrúpulos ou valentões, logo perde-se o interesse pois não acrescenta-se nada de novo para nós. Mas quando escolhe interpretar um personagem cheio de angústias e dúvidas, Colin chama a atenção, como em O Sonho de Cassandra (2007) e neste filme.

Na Mira do Chefe (In Bruges, 2008) acompanha dois assassinos mandados para Bruges, na Bélgica, após um serviço em Londres. Presos naquela cidade desconhecida até a segunda ordem de seu chefe, Ken (Brendan Gleeson) vê a oportunidade de conhecer a cultura gótica e medieval do lugar, enquanto Ray (Colin Farrell) não vê a hora de sair daquele lugar tedioso e chato. Sem desconfiarem do terrível trabalho que deve ser feito em Bruges.

O diretor e roteirista Martin McDonagh (ganhador do Oscar pelo curta-metragem Six Shooter, 2006) criou o filme depois de uma visita a cidade de Bruges, o diretor ficou dividido, por um lado achava a cidade como um reduto da beleza medieval, mas por outro, depois de algumas horas, não agüentava o tédio que lhe acometeu. Dividiu essas duas perspectivas nos dois personagens centrais da trama. O relacionamento desses dois assassinos é o que dá algo especial ao filme, além dos diálogos de uma simplicidade admirável e convincente. Ken, assassino experiente, age como o pai da dupla, sempre ditando regras e tentando educar o companheiro. Já Ray, literalmente age como uma criança arredia, por vezes grosseiro, ou mesmo mimado em busca de atenção. A atuação segura de Brendan Gleeson e a forma como Colin Farrell transformou Ray num personagem digno de simpatia, mesmo agindo grosseiramente, cria uma cumplicidade verdadeira entre os dois parceiros, que com suas personalidades dificulta a definição de assassinos frios.

O filme pode ser considerado como a própria Bruges, existem momentos de reflexão e que nada acontece, apenas a introspecção dos personagens. Os amantes da ação realmente podem querer fugir desse filme rapidamente, mas o estilo suave de dirigir que a própria trama sugere por ser ambientada no momento de descanso após um trabalho, juntamente com os seus diálogos e rompantes de ação dão uma qualidade fora do comum para o longa. É bem melhor dosar a ação do que usá-la demasiadamente tornando-a corriqueira, é mais apreciável ser tomado de surpresa com uma ação inesperada ou autentica. E tecnicamente, quando McDonagh precisa demonstrar a crueza (ou brutalidade) das ações dos assassinos, os efeitos e as seqüências dirigidas por ele são muito bem elaboradas. A exemplo da seqüência da igreja, onde a câmera lentamente mostra a cruel conseqüência do ato de Ray.

Para aqueles que preferem um filme com muito mais ação, mas com o mesmo estilo de filme de criminosos, personagens cativantes e situações adversas bem humoradas, aconselho qualquer um do gênero com a direção de Guy Ritchie. Na Mira do Chefe, talvez rendendo-se aos apelos daqueles que não agüentam mais a cidade de Bruges, dá para suas cenas finais a ação esperada. Mas mesmo assim mantém a direção segura e delicada de McDonagh. Como a cidade, Na Mira do Chefe pode ser muito mais que apenas um passeio monótono, mas sim uma viagem recheada de diversões e surpresas.

Nota: 9

Rafael Sanzio

O Dia em que a Terra parou

Se os produtores pretendiam ser os pioneiros no assunto sobre os males que o ser humano provoca a Terra, eles estão um pouco atrasados, já há uma crescente consciência geral na sociedade para que seja freado esse ímpeto destrutivo da humanidade. O dia em que a Terra parou entra na onda dessa temática da preservação do nosso planeta, mas diferente de produções como Uma verdade inconveniente, o longa coloca esse tema como pano de fundo para uma história sobre os dois lados do ser humano, o destrutivo e o amor.

Na trama, uma esfera gigante pousa nos EUA, de dentro dela sai Klaatu (Keanu Reeves) e seu robô gigante. O extraterrestre alerta que veio salvar a Terra da destruição, ou seja, precisa exterminar seus destruidores. Cabe a Dr. Helen Benson (Jennifer Connelly) convencê-lo do contrário, enquanto o exército americano tenta destruir o robô gigante. O dia em que a Terra parou é uma refilmagem do filme de mesmo nome de 1951, durante o longa podemos notar que em algumas cenas de suspense incide uma trilha sonora parecida com aquelas clássicas de filmes de alienígenas da década de cinqüenta.

Realmente não poderia deixar de falar da atuação sem emoção de Keanu Reeves, apesar de estar condizente com o personagem, mas sabemos até que ponto é o nível de interpretação do astro, tanto que muitas expressões utilizadas neste filme podem ser vistas em outros como na trilogia Matrix e nesse último caso, essas mesmas expressões eram usadas para exprimir sentimentos. Quanto à beldade Jennifer Connelly, ela representa toda carga emocional do ser humano, dúvidas, frustrações, amor e convenhamos, a escolha da atriz foi acertada, já que ela já acalmou uma fera raivosa e irracional (Hulk) seria um trabalho fácil tocar o coração de uma alienígena, aparentemente sem emoção, com aqueles belos olhos azuis.

Na fase de produção dessa refilmagem , foi criada certa expectativa sobre o robô gigante. No filme, ele causa uma certa estranheza a princípio, contudo no desenvolver da trama, é criada uma solução que faz uma clara analogia a uma das pragas bíblicas. É nesse momento também que o filme se assemelha muito aos filmes catástrofes de Roland Emmerich. Os alienígenas aqui fazem parte da convenção geral dos filmes do gênero que acham que eles apenas são avançados na tecnologia, não apresentam emoções, como em Os Esquecidos (2004) ou qualquer filme de alienígenas + destruição da Terra. É tão difícil aceitar que se são avançados, seriam evoluídos em todos os aspectos?

O dia em que a Terra parou apresenta mais do mesmo que se pode esperar de um filme de invasão do planeta. O exército tentando, em vão, destruir a ameaça extraterrestre. E nesse filme, em particular, os personagens militares estão mais caricaturados que os outros, evidenciando muito mais a burrice dos mesmos. Em uma seqüência onde a representante do governo americano conversa por telefone com o presidente do seu país, não dá para não imaginar o “amante da guerra” George W. Bush do outro lado da linha. Apesar disso, o filme diferencia-se por não usar do famigerado patriotismo americano, mostrando os americanos como arrogantes e que se acham senhores do mundo, tanto que podemos ver a influência negativa desse modo de vida americano na personalidade do enteado da médica, Jacob Benson, ou mesmo na seqüência onde o personagem de Keanu Reeves pergunta a Kathy Bates se ela falava por todos os líderes mundiais e ela responde enfaticamente que representava os Estados Unidos da América, como se fosse um sim para a pergunta do extraterrestre. Outro ponto interessante do roteiro é a forma que Klaatu usa seus poderes durante o desenvolvimento da história, bem interessante a inversão de posições na seqüência do detector de mentiras.

No final das contas, o filme é mediano, ganhando esse título por não se arriscar em focar a trama apenas em Klaatu, na sua jornada em descobrir os motivos pelos os quais os humanos devem ser poupados. O diretor Scott Derrickson (O Exorcismo de Emily Rose) opta pelo equilíbrio entre as seqüências de suspense e drama com o alienígena e a doutora e as de ação com o exército, essa última deixa de ser interessante por ser previsível demais. O filme vale mais como um alerta a humanidade sobre os riscos que correm se continuar com a degradação do planeta, mas se já sabemos disso, ver Klaatu em ação nos ajuda a manter o interesse no longa.

Nota: 7,5

Rafael Sanzio

Coração de Tinta - O Livro Mágico

Para quem tem imaginação, os livros são uma forma de você viajar por vários mundos sem ter que sair de casa. Apenas aconchegado na poltrona, ou deitado na cama, curtindo o silêncio e vivenciando os dramas e alegrias dos personagens dentro daquelas páginas. O filme Coração de Tinta – O Livro Mágico, adaptação do livro Coração de Tinta da escritora alemã Cornelia Funke, cria a possibilidade de uma interação maior com as histórias fantásticas que existem nos livros, além das tenebrosas, com um forte apelo ao incentivo à leitura.

Mo Folchart (Bredan Frasier) é uma das raras pessoas com o dom da “Língua Encantada”, podendo trazer para o mundo real partes das histórias que existem dentro dos livros, personagens, objetos, climas naturais, tudo. Mas há um preço a se pagar, a cada transferência, alguém do mundo real precisa entrar no livro. E é assim que acompanhamos a história de Folchart, que busca uma maneira de trazer para o mundo real a mulher que ele ama.

O filme parece uma gangorra, tendo seus altos e baixos, nunca conseguindo manter um ritmo certo por muito tempo. Após a seqüência inicial, ele parece seguir uma linha interessante, com o suspense da busca de Folchart pelo livro Coração de Tinta e o aparecimento do personagem Dedo Empoeirado (Paul Bettany), mostrando logo de início que os personagens do livro não mantém sua aparência inicial por muito tempo, sendo tragados pela realidade que agora estão. Contudo, depois da aparição da turma de Capricórnio (Andy Serkis, o eterno Gollum) o longa fica nas idas e voltas para o mesmo cenário, que é o castelo do vilão.

Bredan Frasier está mais apagado do que o de costume, talvez por seu personagem não se enquadrar no perfil “aventuresco” como na trilogia A Múmia ou até mesmo em Viagem ao Centro da Terra. Quem se destaca mais é Paul Bettany com o seu Dedo Empoeirado (esse nome sempre me remete ao nome “Passolargo”, por que será?), a caracterização e interpretação o destaca mais dos outros por ser um tipo de anti-herói da trama. Intrigou-me a participação especial da beleza de Jennifer Connelly (Hulk, Água Negra), descobri que ela é esposa de Paul Bettany. Piada interna portanto.

O filme tem seus pontos interessantes, mas o diretor erra a mão em várias coisas. Poderia ter deixado mais interessante a própria leitura dos livros, já que é o grande conflito da história, pois mesmo antes de virar um depressivo na trama, Bredan Frasier não consegue empolgar ninguém com sua leitura. Mas a grande furada é a seqüência final, onde descamba para uma ordinária e previsível seqüência de ação onde todos os vilões ficam apenas olhando seus planos desmancharem enquanto os outros ficam feitos baratas tontas.

Coração de Tinta – O Livro Mágico tinha tudo para ser mais cativante, mas consegue ao menos passar a mensagem que os livros contêm histórias fantásticas que esperam para serem lidas e amadas. Afinal, o que tem de adaptação de livro para cinema não é brincadeira. E assim, consegue passar outra mensagem, o livro sempre é melhor que o filme! Então, que tal comprovar isso?

Nota: 6

Rafael Sanzio

O Banheiro do Papa

“Los Quileros” como se chama no Uruguai as pessoas que saem da fronteira de um país para o outro, para comprar produtos mais baratos e revendê-los no país de origem. Contrabandistas, caso queiram deixar o sentimento de lado e partir para a realidade. Pois percebemos que há uma diferença entre aqueles que tentam sobreviver, sustentar a família com esse trabalho ilegal e aqueles que querem enriquecer mesmo de forma ilícita. No filme, a representação dos pobres que tentam sobreviver são aqueles que fazem a travessia de bicicleta, enquanto os mais gananciosos usam motocicletas.

Mas esse é apenas o meio de vida do protagonista do filme, a história é baseada em fatos reais, sobre os preparativos para a visita do Papa João Paulo II, em 1998, na cidade de Melo, no Uruguai. A classe pobre vê nessa visita uma possibilidade de enriquecimento, uma possível fuga para a miséria em que vivem. Todos decidem montar barracas de comidas para os milhares de visitantes prometidos pela televisão. Contudo, Beto (César Troncoso) tem a idéia de fazer um banheiro, já que vai ter tanta comida o povo vai precisar usar algum, além do mais vai diminuir as chances de concorrência.

Como em Umberto D., Beto não é um personagem agradável. Ser uma pessoa simples e pobre poderia fazer com que tivesse o apreço do público. Contudo, para mim, ele é uma pessoa orgulhosa, egoísta, machista e que só tem atenção para suas próprias idéias. Essas atitudes podem ser explicadas pelo desespero do personagem de querer ser bem sucedido na vida. Sua obsessão pela idéia do banheiro vai degradando cada vez mais sua moral, impondo suas vontades sobre a filha, traindo a confiança dos amigos e chegando ao ponto de quase ser violento com a mulher.

A mistura de atores profissionais e atores não-profissionais deu um ar bastante realista ao filme. Os atores profissionais se destacam com suas boas atuações, mas essa mixagem nos deu a impressão de estar assistindo um testemunho da vida real daquele povo da cidade de Melo. Esta veracidade que falta em alguns filmes de drama, que tem sua excelente carga emocional de interpretação mas que no final das contas continuamos a reconhecer aquilo como um filme, não algo real.

Ainda na parte técnica vale salientar o uso inteligente do som para explicar situações sem precisar de falas ou cenas adicionais. Na seqüência onde descobrem as pilhas na sacola de erva, o diretor coloca uma trilha específica para esse momento, pois será usada mais tarde, para as reflexões do personagem sobre o assunto. É usada também, oportunamente, numa seqüência onde Beto vai buscar trabalho após esse fato ter ocorrido, o dono da mercearia indica que tem trabalho e sai por alguns instantes. É nesse momento que volta a trilha do caso das pilhas, o homem da mercearia volta e diz que não tem mais trabalho para Beto. Não precisou de nenhuma cena adicional, mostrando alguém contando a história do contrabando para o homem, bastou apenas a trilha específica para deduzirmos que algo do gênero aconteceu. Uma sacada inteligente por parte dos diretores.

Em seu desfecho, O Banheiro do Papa nos faz questionar os motivos pelos quais aquelas pessoas de Melo se jogaram tão cegamente na tentativa de enriquecer. Ingenuidade ou Desespero? Para mim foi ambos e não precisava ser a vinda do Papa, creio que qualquer evento de grande porte lá estaria o povo da cidade tentando sair da miséria. Infelizmente foi a visita do Papa e o milagre que o povo esperava não veio. Como última cartada , o filme deixa uma seqüência de “fotos”, como um registro da desolação que aquela passagem religiosa naquele dia, deixou para o resto da vida de todos os cidadãos da cidade de Melo.

Nota: 9

Rafael Sanzio

Curtas - Metragens de Jorge Furtado Parte Final

Após o longo período de festividades, estou de volta e decidido a terminar a análise dos Curtas de Jorge Furtado (Já estou com saudades de fazer uma boa crítica de um longa-metragem). Feliz ano novo para todos!

ESTRADA (1995)

Com Pedro Cardoso e Déborah Bloch no elenco, o curta Estrada (sem o artigo “a” ao menos no título do filme em si) acompanha dois casais nos preparativos e na própria viagem à um recanto onde todos vão ter seus ideais de felicidade e harmonia.

O início do filme é utilizado para que possamos nos identificar com os personagens, para termos um pouco de apreço por eles e ficarmos angustiados com as cenas posteriores.

É nítida também a diferença no arco de histórias destes felizes personagens com o outro arco solo do trabalhador mal humorado, nada feliz, que recheia suas falas com palavrões. A primeira passagem de um arco para o outro é bem interessante, enquanto a mulher coloca uma peça delicada no carro, corta a cena para o outro arco da história, uma enorme carga pesada sendo colocada no caminhão do personagem infeliz.

Depois disso, é construído toda uma seqüência para deduzirmos o final do curta. Coincidência ou destino? Sorte ou providência divina? Furtado apenas exagera na demora para que esses dois arcos de história se encontrem, chega um momento que não estamos mais angustiados e sim entediados.

Além dessa construção, o personagem de Pedro Cardoso reforça o desfecho trágico ao desdenhar do destino. No final das contas, o filme tenta conduzir o público ao erro. Uma prática que se repete no curta “O Sanduíche”. A manipulação do diretor sobre o que quer mostrar e o que pode nos levar a acreditar.

ÂNGELO ANDA SUMIDO (1997)

Ângelo anda sumido é um interessante curta-metragem, apesar da fraca atuação do protagonista. A história mostra o encontro e desencontros de dois amigos, mas isso serve apenas de pretexto para elucidar as problemáticas da sociedade e a falta de contato entre estas pessoas.

Uma das características marcantes do curta são as pessoas trancafiadas nas próprias casas, com medo da violência ou até mesmo de se comunicar com os outros. Há uma seqüência onde uma senhora joga o lixo ma rua pela janela de seu apartamento, tudo para não ter que sair de casa. Além disso, há a grande odisséia do protagonista para conseguir chegar ao apartamento do amigo, passando por várias grades, portas, cadeados. Ao caminhar por um corredor, é vigiado por olhares acusatórios de vários moradores, estes que o observam através de janelinhas nas portas.

O personagem principal analisa sua própria condição para escapar ou agradar as pessoas. Se auto analisando, ter todos os dentes, ser branco e boas roupas são pontos positivos para ter ao menos um julgamento decente de outras pessoas para com ele.

Tecnicamente Furtado acrescente imagens de mapas da cidade quando os personagens mencionam localidades ou buscam as mesmas.

Ao final, percebemos que as pessoas passam tempo demais em seus pequenos mundinhos, tanto que não reconhecem mais o mundo maior e real. Por isso Ângelo desaparece e por isso que o protagonista também se perde nesse mundo, que apenas é caótico e sombrio pelo próprio medo que sentimos de enfrentá-lo.

O SANDUÍCHE (2000)

Uma grande encenação. Encena-se uma história dentro de uma história dentro de outra história que não passava de um exercício para contar uma história.

Furtado brinca com a prática de enganar ou (para escolher uma palavra menos polêmica) “levar” o público a conclusões erradas. O curta é um grande jogo aonde você tenta adivinhar ou perceber qual a história real.

Não pude deixar de remeter essa temática ao fato da mídia manipuladora de fatos e histórias. Apesar de que aqui esse tema é mais suave. E não contente, Furtado ainda demonstra no desfecho que sobrou um pouco de encenação para mostrar que você não tinha descoberto tudo. Tudo é manipulação da verdade (como diriam os paranóicos).

OSCAR BOZ (2004)

Último curta da coletânea, Oscar Boz é um documentário sobre um senhor que fazia filmes em Caxias do Sul e no Litoral Gaúcho em 1951 e 57. A equipe de Furtado mostra para essa figura carismática como é fácil fazer os efeitos que na época Oscar produzia. Aumentar a velocidade de uma cena, fazer pessoas aparecerem e desaparecerem.

Mas uma das demonstrações (e que nos faz lembrar da briga entre o cinema mudo e a chegada do cinema falado) é o acréscimo de som e cor nas antigas filmagens de Oscar. Deixando-as mais emocionantes e atrativas.

O velho e o novo do cinema tendo a oportunidade de se encontrar. E a despeito da qualidade de um filme mudo com um falado, é inegável que em boas mãos o que era apenas imagens em preto e branco, podem torna-se em uma mensagem não apenas nostálgica, mas de vida e amor.

Rafael Sanzio